Работа для художника на дому в москве: Удалённая работа, работа на дому художником в Казани

Вакансий по указанному критерию не найдено. Попробуйте поменять настройки фильтра или начните поиск с вашего города или региона.

Array
(
[0] => Array
(
[post_title] => Что делать, если устал: 5 способов сделать свою работу приятнее
[post_content] =>

На работе обычный человек, который не является ни родственником Рокфеллера, ни им самим, проводит большую часть своей жизни. И даже если работа эта не требует постоянного нахождения в офисе, рано или поздно наступает критическая точка, когда накатывает усталость, опускаются руки и очень остро встает вопрос: а в чем, собственно, заключается смысл моей деятельности и что она приносит лично для меня?

Это именно тот случай, когда избитая фраза «Не в деньгах счастье» обретает вполне реальные очертания. И пусть тот, с кем такого никогда не случалось, первым бросит в меня камень.

Так что же теперь делать? Бросить все и начать сначала? Или все-таки найти какое-то иное, менее радикальное решение? На мой взгляд, это вполне возможно, если только несколько изменить свой подход к означенному вопросу.

Я не есть моя работа

Итак, предположим, вы пишете статью (или выполняете какую-то иную работу) и предлагаете ее заказчику. Вы работали и день, и ночь, и еще день. А в перерывах вы размышляли над сутью проблемы, рылись в интернете и даже (только представьте!) в печатных изданиях. И вот наступил дедлайн. Нажата кнопка, письмо отправлено.

Но ответа нет. И день нет, и три нет. Вы пишете заказчику. И наконец, получаете короткую отписку: «Ваша работа не подходит». Что вы делаете? Скорей всего, первая мысль, которая приходит вам в голову: «Я плохой специалист».

Это не оно! Возможно, вы не идеальны. Но суть не в этом. У заказчика есть сотни других причин отказать вам: не тот стиль изложения, не та концепция или задание вообще утратило актуальность. Не каждый готов потратить свое время на то, чтобы все это вам объяснить.

Что делать?

Найти применение своей работе, если это возможно, и перестать клеймить себя. У всех есть куда развиваться. Но это вовсе не значит, что уже сейчас вы не представляете собой ценность.

Я ценю результаты своего труда

Вы нашли заказчика. Или вам поручили решение какой-то интересной задачи, в которой вы хорошо разбираетесь. И задают вполне резонный вопрос: «Сколько это стоит?».

Я знаю множество людей, которые пугаются этого вопроса так, как будто их попросили продемонстрировать личного скелета в шкафу. Почему? Да потому что большинство из нас склонно сомневаться в собственной компетентности. К сожалению, чаще это происходит именно с теми, кто действительно является спецом.

Что делать?

Никогда не должно быть стыдно оценить себя по достоинству. То есть назвать именно ту сумму, которой вы заслуживаете. Как это сделать? Изучить рынок и предложения от специалистов вашего уровня (ведь в глубине души вы его все равно знаете) и сложить цену.
Если в вас заинтересованы, никто никуда убегать не будет. Просто заказчик либо согласится на ваши условия, либо предложит более приемлемую для себя сумму. И тогда решение будете принимать вы.

Я имею право на отдых

Вы увлечены работой? Вы работаете быстро и со вкусом? Вы ответственны? Прекрасные качества! Ваш начальник или заказчик непременно оценит это и… нагрузит вас по максимуму.

В какой-то момент вы почувствуете, что в баке закончился бензин, и начнете снижать скорость. Либо вообще остановитесь. И, поверьте, никто вас толкать не будет. Вокруг достаточно желающих впрячься в вашу телегу. А вот вам потребуется отдых. И, возможно, выход из затяжной депрессии, которая обычно сопровождает хроническое переутомление.

Что делать?

Учиться тормозить вовремя. А лучше – планировать свой день, оставляя в нем, пусть небольшие, но приятные «карманы» для отдыха. Кофе или чай, музыка в наушниках, несколько минут с закрытыми глазами, а если это возможно – небольшая прогулка в обеденный перерыв… Усталость снимет, и мир вокруг станет намного добрее. Работа в таком настроении значительно продуктивнее.

Моя работа имеет смысл

Что я даю этому миру? Да, вопрос достаточно избитый, и в нем много патетики, но в той или иной форме он посещает очень многих. Деньги перестали радовать? Представляете, и такое возможно. Когда все, что ты делаешь, кажется мелким и незначительным.

Что делать?

Одна стилист всегда рекомендовала своим клиенткам отойти от зеркала на пять шагов. Хороший совет в любой ситуации.
Большое видится на расстоянии. Каждый из нас выполняет работу, которая часто является лишь пазлом в одной огромной мозаике. Отойдите на пять шагов и посмотрите, действительно ли эта мозаика будет цельной и законченной, если вашего кусочка в ней не будет? Вы увидите, что нет.

Я оставляю свой рюкзак

В какой-то театральной студии был принцип, который звучал так: «Всегда нужно оставлять рюкзак за порогом». Это действительно очень важно – оставить груз проблем там, где их предстоит решать. Дом должен быть вашим убежищем, местом, где позволительно отдохнуть и забыть о рабочих неурядицах.

И даже если вы работаете дома, постарайтесь, покидая свое рабочее место, оставить там ваши чертежи, заготовки для будущих статей и прочее, и прочее. Время пить чай, есть пирожные и дарить свое тепло и внимание близким.

Что делать?

Включайте воображение. Вполне можно визуализировать процесс. Закройте глаза и представьте портфель или рюкзак, в который вы складываете листы с вашими планами, рисунками, набросками, свой ежедневник, калькулятор, список дел и прочее. Закройте его поплотнее. И оставьте на своем рабочем месте. Идти домой без такого груза будет намного легче.

Ну а если ваше состояние стало хроническим, быть может, стоит подумать, действительно ли ваши сомнения вызваны усталостью и рутинной работой или вам пора менять род деятельности. Учиться не страшно и никогда не поздно. Быть может, работа вашей мечты уже ждет вас, и вам остается лишь сделать пару решительных шагов.

[guid] => https://jobius.com.ua/news/?p=88114
[photo] => https://jobius.com.ua/news/wp-content/uploads/2020/08/ja-ne-est-moja-rabota-1.jpg
[post_name] => chto-delat-esli-ustal-5-sposobov-sdelat-svoju-rabotu-prijatnee
)

[1] => Array
(
[post_title] => Пассивный доход в сетевом бизнесе — это реальность?
[post_content] =>

Сетевики зазывают новичков тем, что говорят о пассивном доходе, то есть не делаешь ничего, а денежки каждый день приваливают сами по себе. Именно так человек и слышит, когда говорят о пассивном доходе.

Пассивный — это же от слова «ничего не делать»?

• На самом деле не существует никакого пассивного дохода, если у человека не построена самостоятельная, самодостаточная структура, которая приносит ему ежемесячный стабильный доход.
• Но и сам человек при этом не сидит на месте, а делает хотя бы минимум, чтобы поддерживать достойный уровень.
• Ему все равно приходится привлекать новых людей, учить новичков, контролировать процесс.
• Не говоря уже о тех, кто еще не построил структуру, находится в самом начале пути.
• Тут пассивность вообще не приветствуется, ибо человек всего лишь месяц не поработал, а уже у него нет никакого дохода.

  Получается, что пассивный доход — это миф, так как простой ведет к обнулению или резкому падению доходов, о чем говорят практически все сетевики.

Как правильно работает сетевой маркетинг

Никто не видит, чтобы сетевик преспокойно сидел себе дома и ничем не занимался. И это реальность, в которую приходится поверить. Так что придется оставить вопрос о пассивном доходе, если не построена многоступенчатая, расширенная, разветвленная структура, которая работает без перебоев постоянно, регулярно, а не разваливается после того, как лидер этой структуры решил отдохнуть полгодика.

Поэтому, если лидер еще не имеет такой структуры, ему придется работать во сто раз больше и активнее, иначе придется распрощаться с теми доходами, что у него есть. Но об этом не говорят новичкам или же говорят неправильно, отчего новичок начинает просто ждать, когда деньги сами придут, поработал немного — и довольно. Вообще люди пассивны сами по себе, поэтому и хотят, чтобы текла вода под лежачий камень. И поражаются, почему такого не происходит.

Однако это не значит, что не надо пробовать, пытаться построить стабильную и приносящую действительно пассивный доход структуру, если есть запал, желание и возможности.

Но не надеяться, что после полугода интенсивной работы можно будет сложить ручки, так как ручки лидеры сложили поначалу, но когда все идет наперекосяк, приходится справляться с вызовами времени.

Кстати, есть и другие способы обрести пассивный доход, но это уже другая история, и она тоже не связана с ничегонеделанием и ожиданием, когда деньги с неба посыпятся. Так что дерзать, но не надеяться на безделье.

[guid] => https://jobius.com.ua/news/?p=88108
[photo] => https://jobius.com.ua/news/wp-content/uploads/2020/08/passivnyj-dohod-v-setevom-biznese-2.jpg
[post_name] => passivnyj-dohod-v-setevom-biznese-jeto-realnost
)

[2] => Array
(
[post_title] => 5 ошибок новичка, приводящих к эксплуатации его на работе
[post_content] =>

Первые дни и недели на новой работе – время волнительное. Особенно если это ваша первая работа. Вы отчаянно стараетесь показать себя в лучшем свете перед начальником, понравиться коллегам и заявить о себе как о квалифицированном специалисте.

И, конечно, не отказываетесь от всевозможных поручений, которые вам дают старшие товарищи или шеф. В результате через месяц-другой вы с ужасом обнаруживаете, что круг ваших обязанностей расширился неимоверно, а зарплата при этом больше не стала.

Пять классических ошибок новичка, которые приводят к подобному сценарию:

Мелкие поручения

Полить офисный кактус, сбегать в магазин за какой-нибудь мелочью, заменить воду в кулере – это несложно. Но безропотно брать на себя исполнение всех мелких поручений в офисе не стоит. Иначе вскоре окажется, что это – ваша обязанность. И при виде закончившейся в кулере воды ваш коллега не примет меры сам, а будет гневно требовать, чтобы вы немедленно отправились решать эту проблему, бросив все дела. Вам действительно хочется стать порученцем всего коллектива?

Что делать?

Убедитесь, что мелкие обязанности справедливо распределены между всеми сотрудниками. И время от времени отказывайтесь выполнять подобные поручения: пусть сегодня воду в кулере меняет кто-нибудь другой. Помните: вы не единственный сотрудник в офисе и вовсе не обязаны быть слугой для своих коллег.

Готовность брать на себя неприятные обязанности

Выйти в ночную смену, дежурить в выходные или праздники, отправиться добровольцем на скучное мероприятие. Эти дела нужны и важны для работы, но плохо, если их постоянно спихивают на вас. Безропотно соглашаясь с таким положением дел, вы вскоре не будете иметь ни одного спокойного выходного, а ваш рабочий день увеличится чуть ли ни вдвое. Зарплата при этом, разумеется, останется прежней. Так какой смысл стараться?

Что делать?

Установить очередь на дежурства, в том числе и в праздничные дни. Если нужно, распечатать график и повесить на стену. Главное, чтобы все сотрудники были вовлечены в систему дежурств на равных условиях. Тогда и сидеть на работе в праздник будет не так обидно.

Широкая помощь коллегам

Вы мастерски обращаетесь с принтером, а ваша пожилая коллега боится даже близко подойти к этому страшному агрегату. Вы легко и непринужденно рисуете реалистичные портреты в Adobe Photoshop, а ваш коллега еле-еле выцарапывает загогулины в Paint. Вы сделали отчет за два часа, а ваш сосед уже четвертый час умирает перед монитором, и понятно, что сидеть ему так до завтрашнего вечера.

Как не помочь коллеге? Тем более что ваша помощь сопровождается восторженным «Ой, как здорово у тебя получается!». Вы польщены и искренне уверены в том, что приобретаете любовь и уважение коллег. На самом деле вы просто бесплатно выполняете чужую работу. Восхищение коллег вскоре сойдет на нет, вашей помощи будут уже не просить, а требовать. И, разумеется, ваша зарплата не увеличится, даже если вы выполняете работу за весь офис. Так зачем вам это надо?

Что делать?

Подсказать коллеге, как решить задачу – это святое, но выполнять за него работу необязательно. Отговоритесь занятостью либо заключите взаимовыгодное соглашение с коллегой (например, вы быстро закончите за него отчет, а коллега подежурит вместо вас в выходные). Но ни в коем случае не позволяйте себя эксплуатировать.

Бескорыстие

Шеф просит вас выполнить несложную дополнительную работу за небольшое вознаграждение. Вы с блеском выполняете задачу, но от денег смущенно отказываетесь. Это же мелочь, ерунда, вам было несложно, за что тут платить?

Или ваша зарплата задерживается, потому что у фирмы сейчас трудные времена. Как не помочь? Такое бескорыстие, по вашему мнению. Демонстрирует ваше уважение к начальнику и преданность фирме. На самом деле вы просто соглашаетесь работать бесплатно. Отныне можете забыть о премиях, а вашу зарплату будут всячески урезать. Зачем платить вам больше, если вы уже согласились усердно трудиться за копейки?

Что делать?

Вы пришли на работу, чтобы зарабатывать деньги, и имеете полное право получать достойное вознаграждение за ваш труд. Конечно, не стоит требовать оплаты за каждую мелочь, но если «мелочей» становится слишком много – откажитесь либо поставьте вопрос о денежном вознаграждении.

Услуги друзьям шефа

Ваш начальник просит вас (неофициально, разумеется) помочь его старому другу. Бесплатно сделать визитки, вычитать текст или сделать еще что-то в том же духе. Несложно, да и отказать начальству трудно. Но если подобных просьб становится слишком много, задумайтесь: не работаете ли вы бесплатно на друзей шефа, ничего за это не получая?

Что делать?

Вежливо сообщите шефу, что трудиться на его друзей бесплатно вы не намерены. Либо он достойно оплачивает ваши труды, либо «золотая рыбка» в вашем лице прекращает исполнение желаний.

Достойно поставить себя на новой работе – сложная задача, но результат того стоит. Всегда защищайте свои интересы и требуйте справедливой оплаты за свой труд. И тогда пребывание в офисе станет для вас легким и комфортным.

Удачной работы!

[guid] => https://jobius.com.ua/news/?p=88101
[photo] => https://jobius.com.ua/news/wp-content/uploads/2020/08/neprijatnye-objazannosti.jpg
[post_name] => 5-oshibok-novichka-privodjashhih-k-jekspluatacii-ego-na-rabote
)

[3] => Array
(
[post_title] => Опыт клиента в почтовом маркетинге: советы по каждому этапу воронки продаж
[post_content] =>

Наиболее распространенная цель использования почтового маркетинга — не просто отправка контента, а перспектива продаж. Однако сегодня потребители гораздо более требовательны и осведомлены о рекламной деятельности. Поэтому уже недостаточно привлекать их скидками или промо-акциями, необходимо создать лучший опыт взаимодействия с вашим брендом.

Опыт клиента

Опыт клиента — ключевой элемент, который решает, останется ли клиент с вами в будущем. В него входит весь опыт контакта клиента с вашим брендом. Этот опыт состоит не только из рекламных сообщений, но и из всех возможных взаимодействий на разных уровнях и в разных точках контакта.

Вы должны знать, что всякий раз, когда клиент встречает упоминания о вашей компании, в нем рождаются эмоции. Это определяет его восприятие бренда. Одноразовый неудачный опыт может заставить покупателя негативно воспринимать весь бренд. Если вы хотите построить ценные отношения, позаботьтесь об этом на каждом этапе общения с клиентом.

Из каких этапов состоит общение с клиентом?

Существует четыре основных этапа, которые соответствуют классической воронке продаж, а именно:

— открытие бренда;
— обзор доступных опций, первый интерес к товару;
— решение о покупке;
— послепродажное обслуживание, удержание клиентов и повторная продажа.

Открытие

Представьте себе следующую ситуацию. У клиента есть явная потребность — он ищет хороший лазерный принтер, но не знает, какой выбрать. Прежде чем принять решение о покупке, он ищет информацию в Интернете.

Вы управляете магазином электроники. На данный момент вы можете повлиять на его решение.

Каким образом? Создавая контент, который отвечает его потребностям. В этом случае это могут быть обзоры лучших лазерных принтеров, подбор оборудования к конкретным потребностям (например, офисный или домашний принтер) или руководство о том, как работать с определенными типами принтеров, чтобы они работали как можно дольше.

Если получатель получает ценный и полезный контент, а также связывает их с вашим брендом — это огромный плюс.

Почтовый маркетинг

Помните, что реакция на бренд может быть хорошей, но короткой. Поэтому уже на этом этапе старайтесь держать читателя дольше. Вы можете сделать это с помощью рассылки.

Предложите подписку на вашу рассылку в обмен на любые преимущества — например, скидку в вашем магазине. Однако не заблуждайтесь, что после первого посещения вы получите волну заказов — не все готовы взаимодействовать с брендом сразу после знакомства. Поэтому используйте возможности объединения разных каналов.

Вы можете сделать это, применив ремаркетинг к людям, которые ранее посещали сайт. Можно использовать рекламу на Facebook, которая является еще одним методом привлечения клиентов. Что показывать в таких объявлениях? Например, сравнение различных моделей аналогичных товаров, информация о скидках или промокодах.

Первый интерес

После того, как клиент сделал первый шаг, стоит поддержать его интерес, отправив приветственное письмо.

• В рассылках удивляйте своих подписчиков и старайтесь их заинтересовать.
• Хорошим примером будет создать серию однодневных акций.
• Получатель с большей вероятностью будет открывать электронные письма, когда ему будет интересно, что бренд предложит ему на следующий день.

  Не забудьте подчеркнуть свою готовность помочь и поддержать на каждом этапе общения с клиентом, будь то по почте или на сайте.

• Чтобы превзойти ожидания и возможные вопросы будущих клиентов, заранее подготовьте ответы на распространенные вопросы и предложите с ними ознакомиться.
• Если вы предлагаете пользователю установить приложение — разместите подсказки на каждом этапе его использования.

Объединяйте разные каналы связи. Например, если клиент является членом вашего клуба лояльности, помимо отправки ему электронного письма с текущей рекламной акцией, также отправьте ему SMS, чтобы он не пропустил это сообщение.

Чем лучше ваш пользователь знает продукт, тем больше вероятность, что он совершит покупку. В своих решениях он руководствуется не только рекламой и ценой, но и мнениями, размещаемыми в сети. И в этой области у вас есть шанс оставить положительный опыт, активно отвечая на вопросы пользователей о вашем бренде, поддерживая его советами или просто принимая критику. Получатели ценят надежные компании.

Не переусердствуйте с «бомбардировкой» рекламы, потому что вы можете столкнуться с явлением «баннерной слепоты». Это означает, что получатели уже автоматически игнорируют элементы на странице, которые выглядят как объявления.

Решение о покупке

Момент, когда покупатель решает купить ваш продукт, чрезвычайно важен для формирования его положительного опыта работы с брендом. Любая недоработка может снизить его уверенность, и ее сложно восстановить позднее.

На этом этапе вы должны убедиться, что процесс покупки проходит гладко и что клиент чувствует себя в безопасности на каждом этапе транзакции. В этом вам помогут транзакционные электронные письма, содержащие самую необходимую информацию о заказе. Также полезно отправить благодарственное письмо за доверие и выбор вашей компании.

Хорошим примером является бренд Adidas. В транзакционном электронном письме, помимо информации о продукте и состоянии заказа, вы найдете наиболее часто задаваемые вопросы (предвидя любые сомнения клиентов), рекомендуемые дополнительные продукты или контактные данные, чтобы клиент мог получить поддержку в любое время.

Послепродажная деятельность

Чтобы дольше сохранять положительный опыт работы с клиентом, стоит поддерживать с ним связь даже после совершения покупок.

Каким образом? Например, через несколько дней после покупки отправьте электронное письмо клиенту с просьбой оценить покупку и сам опыт взаимодействия с магазином.

Чтобы дать клиенту еще больше положительных эмоций, вы можете дать ему некоторую награду в виде скидки или купона на небольшую сумму за заполнение опроса или оценку бренда.

[guid] => https://jobius.com.ua/news/?p=88093
[photo] => https://jobius.com.ua/news/wp-content/uploads/2020/08/opyt-klienta-v-pochtovom-marketinge.jpg
[post_name] => opyt-klienta-v-pochtovom-marketinge-sovety-po-kazhdomu-jetapu-voronki-prodazh
)

[4] => Array
(
[post_title] => Какими будут технологии ближайшего десятилетия?
[post_content] =>

Давайте попробуем пофантазировать о том, какие изменения   произойдут в нашей жизни в ближайшем десятилетии. Разумеется, определенные технологии прочно закрепятся в ней, а также появятся новые.

Попытаемся спрогнозировать наиболее вероятные варианты развития событий на этот год, а может и на грядущее десятилетие. Что ж, приступим.

Возможный прорыв в технологиях

Электромобили

Этот пункт самый очевидный из всех. Электромобили продолжат отвоевывать себе место под солнцем не только за счет растущего спроса среди пользователей, но и благодаря государственной поддержке. Распространение технологии и усиление конкуренции в отрасли приведет к удешевлению устройств.

Таким образом, можно с большой долей вероятности предположить, что ближайшее десятилетие пройдет под знаком повышения доступности электромобилей. Тем не менее, инфраструктура пока еще развита недостаточно: зарядные станции являются скорее диковинкой, нежели обыденностью, что негативно сказывается на уровне продаж. Решение этих проблем позволит ускорить развитие рынка электромобилей.

Повсеместное использование роботов, их совершенствование

Тут сразу на ум приходят печальные произведения различных писателей-фантастов, но давайте думать в более позитивном ключе. Роботы будут крайне полезны в быту и производстве, где могут спасти не одну сотню жизней или просто избавить людей от монотонного изматывающего труда. И этот процесс уже начался.

Но встает вопрос: что же будет с людьми, которые в результате повсеместного внедрения роботов лишатся своих рабочих мест? Решение может найтись в базовом доходе, который в качестве эксперимента практикуется в развитых странах. Те, кого не устроит такой пассивный доход, смогут попробовать себя в других областях деятельности.

С домашней работой будут помогать справляться роботы-помощники, которые станут логичным развитием роботов-пылесосов и прочей подобной техники. Все сферы нашей жизни станут автоматизированы.

Технологии умного дома

Техника с каждым годом умнеет, это факт. На сегодняшний день рынок представлен всевозможными датчиками температуры и влажности воздуха, термостатами, способными автоматически поддерживать необходимую температуру воздуха в помещении, умными замками, в том числе оснащенными сканерами отпечатка пальца.

На сегодняшний день есть лишь одна проблема ¬– совместимость всех этих устройств. В ближайшие годы не исключено создание единого стандарта для умных домов, который позволит сделать все эти гаджеты совместимыми друг с другом.

Нейронные сети

Пожалуй, самый главный прорыв прошлого десятилетия. Искусственный интеллект в дальнейшем только ускорит свое развитие. Разумеется, прогнозировать апокалипсис мы не хотим, надеемся, что люди будут достаточно благоразумны, чтобы не обратить эту перспективную технологию в зло. Что же мы получим от развития ИИ? Произойдет повышение качества и разнообразия контента, а также появятся новые направления в искусстве.

Уже сейчас нейронные сети делают первые шаги в написании музыки и создании картин. Здесь, кстати, возникает проблема авторских прав. Пока что неясно, кому же они принадлежат: машине или же написавшему код программисту?

Этот вопрос и предстоит решить в ближайшее время. Нейросети найдут свое применение и в более «приземленных» сферах жизни. Потенциальные экономические риски могут быть обнаружены с помощью технологий машинного обучения, а распознавание лиц даст возможность быстро находить преступников.

В то же время, человечество может столкнуться с полным отсутствием тайны личной жизни. Никому не захочется жить в атмосфере полного контроля, как в худших мирах-антиутопиях. В общем, тема интересная и захватывающая.

Беспилотные автомобили

Развитие ИИ приведет и к прорыву в этой сфере. Беспилотные автомобили можно встретить на дорогах уже сейчас. Для их правильной работы необходимо большое количество датчиков и соответствующее ПО. К сожалению, огрехов в работе этих автомобилей пока что предостаточно. Статистику ДТП не стоит анализировать, поскольку таких автомобилей на дорогах совсем мало, но что технология еще сыра и нуждается в доработке – очевидно.

В будущем может быть создана специальная инфраструктура: например, опасные участки дорог можно оснастить датчиками, с которыми беспилотники будут обмениваться данными точно так же, как и с другими автомобилями. В целом же, беспилотные автомобили обладают огромным потенциалом как в сфере грузовых, так и пассажирских перевозок, так что не сомневайтесь, в ближайшее время новостей из этой отрасли будет более чем достаточно.

Летательные беспилотники

Надо полагать, что дроны перейдут из категории игрушек и развлечений с сугубо профессиональную сферу. Уже сейчас запуск БПЛА сопряжен с множеством трудностей: от регистрации воздухоплавательного аппарата до получения разрешения на полет, что отбивает охоту у простых пользователей запускать дроны ради развлечения. Зато они найдут свое применение у журналистов, операторов, видоеблогеров. Кроме того, дроны – удобное средство доставки мелких грузов.

В последнее время возникла идея создания летающего такси на основе беспилотника. Если разработки в этой сфере продолжатся, вероятно, в ближайшие 10 лет мир увидит промышленные образцы таких девайсов.

Цифровые валюты

По большому счету, мы уже движемся к переходу на полностью цифровую валюту, оплачивая покупки в магазинах пластиковыми картами, а то и бесконтактно с помощью смартфонов с NFC. Тут как раз кстати пришелся blockchain, на основе которого в перспективе и будет строиться цифровая валюта. Разумеется, бумажные деньги не исчезнут в одночасье, но уменьшение наличности в наших кошельках с течением времени уже ни у кого не вызывает сомнений.

Редактирование генома

В середине 2010-х годов возникла технология CRISPR, дальнейшее развитие которой в теории поможет избавиться от заболеваний, передающихся по наследству. Наиболее упрощенно эту технологию можно представить так: из цепочки ДНК удаляется ген, способствующий развитию заболевания, а на его место внедряется здоровая копия из парной хромосомы. Проводить эту операцию необходимо на стадии эмбриона. Также данная технология может найти применение для борьбы с потенциально болезнетворными бактериями. Так что новое десятилетие готовит нам развитие геномной медицины, которая сейчас еще только зарождается.

Говорить о безопасности и надежности таких процедур можно будет только после многочисленных исследований и клинических испытаний, однако уже сейчас перед учеными встают вопросы этики, ведь в теории с помощью редактирования генома можно изменить, например, внешность. Ведутся споры о корректности вмешательства в задуманное природой, не говоря уже о безопасности подобных операций.

Интернет тела

Достаточно новое веяние в медицине, возникшее совсем недавно. Понятие аналогично Интернету вещей, которое уже прочно вошло в обиход. Подход подразумевает использование умных имплантантов, которые будут составлять единую экосистему в организме пациента.

Сделает ли это нас киборгами? В ближайшие годы такой вариант маловероятен, но что будет через 50 лет? Сейчас все это не более чем теория, поскольку отсутствует как соответствующая техническая база, так и юридическое регулирование подобных устройств. Будем ждать новостей.

Повседневная жизнь

Помимо проникновения роботов во все сферы жизни, о которой говорилось выше, произойдут еще несколько изменений:

• Стриминговые сервисы прочно войдут в нашу жизнь, а количество пиратского контента сократится;
• Носимые гаджеты наподобие смарт-часов прибавят в функциональности;
• Увеличится количество приложений, использующих нейронные сети. Это касается, в первую очередь, софта для обработки изображений и видео, создания медиаконтента.

[guid] => https://jobius.com.ua/news/?p=88084
[photo] => https://jobius.com.ua/news/wp-content/uploads/2020/08/kakimi-budut-tehnologii-blizhajshego-desjatiletija.jpg
[post_name] => kakimi-budut-tehnologii-blizhajshego-desjatiletija
)

)

Пензенцы могут поддержать работу художника Никиты Романова на фестивале стрит-арта ПФО

Региональное информационное агентство Пензенской области, пожалуй, — единственный источник новостей, где публикуются заметки, охватывающие не только Пензу, но и районы. Таким образом, мы представляем полную картину региона.

На сайте РИА ПО публикуются не только новости Пензенской области, но и аналитические статьи, интервью на актуальные темы, обзоры и фоторепортажи.

Ежедневно по будням мы предлагаем читателям дайджест событий, произошедших в Сурском крае за минувший день.

Новостная лента Пензенской области раскрывает жизнь региона в сфере экономики, общества, спорта, культуры, образования, сельского хозяйства, ЖКХ, здравоохранения и медицины. Помимо этого, на наших страницах публикуется информация о предстоящих событиях, концертах и спортивных мероприятиях.

Вместе с тем, РИА Пензенской области размещает новости инвестиционной политики региона, происшествий, криминала, аварий и ДТП.

Ежедневно в режиме онлайн РИА ПО публикует оперативные и последние новости Пензы и районов Пензенской области. Читатели могут узнать об актуальных событиях Пензенского, Башмаковского, Бековского, Бессоновского, Вадинского, Земетчинского, Спасского, Иссинского, Городищенского, Никольскиого, Каменского, Кузнецкого, Нижнеломовского, Наровчатского, Лопатинского, Шемышейского, Камешкирского, Тамалинского, Пачелмского, Белинского, Мокшанского, Неверкинского, Сердобского, Лунинского, Малосердобинского, Колышлейского и Сосновоборского районов.

Новости Пензы и Пензенской области — здесь собраны последние и самые важные публикации о том, что сегодня происходит в городе: культурные, спортивные события, актуальные нововведения в сфере ЖКХ и строительства, происшествия, чрезвычайные ситуации, ДТП, аварии, криминальная хроника.

Мы также не оставляем без внимания достижения земляков: спортсменов, представителей культуры, науки и образования.

На страницах РИА Пензенской области оперативно публикуются не только фотографии с прошедших мероприятий, но и видео, а также инфографика.

Помимо этого, читателям периодически предлагаются тесты на знание Сурского края.

Новости Пензы и Пензенской области сегодня — это около ста ежедневных публикаций о том, что в данный момент актуально для жителей областного центра и региона.

На страницах РИА ПО ежемесячно публикуются материалы о вступающих в силу законах, которые коснутся жителей нашего региона.

Наше информационное агентство предоставляет читателям актуальный прогноз погоды в Пензе и Пензенской области на неделю и каждый день с указанием температуры воздуха, направления ветра и осадков. Прогноз сопровождается комментарием специалиста из регионального ЦГМС.

Riapo.ru – это новости Пензы, главные события, факты и мнения об актуальных и насущных вопросах и проблемах в регионе.

Названа дата открытия Дома культуры «ГЭС-2» в Москве

https://ria.ru/20210929/ges2-1752323539.html

Названа дата открытия Дома культуры «ГЭС-2» в Москве

Названа дата открытия Дома культуры «ГЭС-2» в Москве — РИА Новости, 29.09.2021

Названа дата открытия Дома культуры «ГЭС-2» в Москве

Дом культуры «ГЭС-2» откроется 4 декабря в здании бывшей московской электростанции на Болотной набережной, он станет постоянной площадкой Фонда V–A–C, сообщила… РИА Новости, 29.09.2021

2021-09-29T15:08

2021-09-29T15:08

2021-09-29T17:05

культура

музеи

выставки

новости культуры

дом культуры «гэс-2»

/html/head/meta[@name=’og:title’]/@content

/html/head/meta[@name=’og:description’]/@content

https://cdnn21.img.ria.ru/images/07e5/08/0e/1745765325_0:0:3084:1735_1920x0_80_0_0_11424331e6a143983644e349bec98e9b.jpg

МОСКВА, 29 сен — РИА Новости. Дом культуры «ГЭС-2» откроется 4 декабря в здании бывшей московской электростанции на Болотной набережной, он станет постоянной площадкой Фонда V–A–C, сообщила пресс-служба фонда.»Дом культуры «ГЭС-2″, постоянная площадка фонда V–A–C, начнет работу 4 декабря 2021 года в здании бывшей московской электростанции на Болотной набережной. Институция нового формата станет частью городского пространства», — говорится в сообщении пресс-службы.»ГЭС-2″ откроется сезоном «Санта-Барбара. Как не поддаться колонизации?», который продлится до 13 марта 2022 года. Ключевым проектом станет продолжительный перформанс «Санта-Барбара. Живая скульптура Рагнара Кьяртанссона». «Благодаря перформансу зрители отправятся в прошлое — в зарождающуюся Россию 1990-х, чтобы понять, какие образы, ценности и идеи, возникшие тогда, актуальны до сих пор», — пояснили в пресс-службе.Одновременно в «ГЭС-2» будет разворачиваться художественный проект «Я моторы гондолы разбираю на части. Карнавал в четырех действиях», названный по строчке из песни «Карнавала.нет» группы «Мумий Тролль» Проект представит новые произведения российских художников, которые обращаются к карнавальной культуре.Еще одна выставка сезона — «В Москву! В Москву! В Москву!». В ней Кьяртанссон выстраивает диалог между своими работами и произведениями других авторов, подчеркнули в пресс-службе.Ранее у будущего Дома культуры «ГЭС-2» была установлена скульптура «Большая глина №4» Урса Фишера, представляющая собой отлитую из алюминия 12-метровую композицию – копию комка глины, который автор разминал в руках. Как сообщалось в Instagram дома культуры, в последний раз произведение выставлялось во Флоренции на площади Синьории в 2017 году, оно олицетворяет саму суть творчества, в процессе которого художник придает новый облик не только материи, но и миру вокруг. При этом ряд пользователей соцсетей негативно отреагировали на перспективу появления такой скульптуры в центре города, сравнив ее с отходами жизнедеятельности собак, кошек и человека.

https://ria.ru/20210914/chetverka-1750047259.html

https://ria.ru/20210910/iskusstvo-1749403013.html

РИА Новости

[email protected]

7 495 645-6601

ФГУП МИА «Россия сегодня»

https://xn--c1acbl2abdlkab1og.xn--p1ai/awards/

2021

РИА Новости

[email protected]

7 495 645-6601

ФГУП МИА «Россия сегодня»

https://xn--c1acbl2abdlkab1og.xn--p1ai/awards/

Новости

ru-RU

https://ria.ru/docs/about/copyright.html

https://xn--c1acbl2abdlkab1og.xn--p1ai/

РИА Новости

[email protected]

7 495 645-6601

ФГУП МИА «Россия сегодня»

https://xn--c1acbl2abdlkab1og.xn--p1ai/awards/

https://cdnn21.img.ria.ru/images/07e5/08/0e/1745765325_0:0:2732:2048_1920x0_80_0_0_3eb36a5a61a3bd9aac06e73be535ca2e.jpg

РИА Новости

[email protected]

7 495 645-6601

ФГУП МИА «Россия сегодня»

https://xn--c1acbl2abdlkab1og.xn--p1ai/awards/

РИА Новости

[email protected]

7 495 645-6601

ФГУП МИА «Россия сегодня»

https://xn--c1acbl2abdlkab1og.xn--p1ai/awards/

музеи, выставки, новости культуры, дом культуры «гэс-2»

15:08 29.09.2021 (обновлено: 17:05 29.09.2021)

Названа дата открытия Дома культуры «ГЭС-2» в Москве

МОСКВА, 29 сен — РИА Новости. Дом культуры «ГЭС-2» откроется 4 декабря в здании бывшей московской электростанции на Болотной набережной, он станет постоянной площадкой Фонда V–A–C, сообщила пресс-служба фонда.

«Дом культуры «ГЭС-2″, постоянная площадка фонда V–A–C, начнет работу 4 декабря 2021 года в здании бывшей московской электростанции на Болотной набережной. Институция нового формата станет частью городского пространства», — говорится в сообщении пресс-службы.

«ГЭС-2» откроется сезоном «Санта-Барбара. Как не поддаться колонизации?», который продлится до 13 марта 2022 года. Ключевым проектом станет продолжительный перформанс «Санта-Барбара. Живая скульптура Рагнара Кьяртанссона». «Благодаря перформансу зрители отправятся в прошлое — в зарождающуюся Россию 1990-х, чтобы понять, какие образы, ценности и идеи, возникшие тогда, актуальны до сих пор», — пояснили в пресс-службе.

Одновременно в «ГЭС-2» будет разворачиваться художественный проект «Я моторы гондолы разбираю на части. Карнавал в четырех действиях», названный по строчке из песни «Карнавала.нет» группы «Мумий Тролль» Проект представит новые произведения российских художников, которые обращаются к карнавальной культуре.

14 сентября, 17:53КультураТретьяковка, Пушкинский, «Гараж» и «ГЭС-2» образовали «Музейную четверку»

Еще одна выставка сезона — «В Москву! В Москву! В Москву!». В ней Кьяртанссон выстраивает диалог между своими работами и произведениями других авторов, подчеркнули в пресс-службе.

Ранее у будущего Дома культуры «ГЭС-2» была установлена скульптура «Большая глина №4» Урса Фишера, представляющая собой отлитую из алюминия 12-метровую композицию – копию комка глины, который автор разминал в руках.

Как сообщалось в Instagram дома культуры, в последний раз произведение выставлялось во Флоренции на площади Синьории в 2017 году, оно олицетворяет саму суть творчества, в процессе которого художник придает новый облик не только материи, но и миру вокруг. При этом ряд пользователей соцсетей негативно отреагировали на перспективу появления такой скульптуры в центре города, сравнив ее с отходами жизнедеятельности собак, кошек и человека.

10 сентября, 08:00КультураЕще одна «Глина раздора»? На улицах Москвы — снова современное искусство

В Москве появилось новое арт-пространство

На культурной карте Москвы появилась новая точка притяжения ценителей и любителей современного искусства — Галерея 30/7. Первой выставкой нового арт-пространства на Петровке станет экспозиция «Переживание места», в которую вошли работы около 20 молодых перспективных художников, среди которых: Настя Кузьмина, Василиса Лебедева, Надя Петрова, Мария Романова, Полина Суровова, Лада Учаева, Светлана Холлис, а также произведения культового советского нонконформиста Леонида Пурыгина.

Пространство галереи разделили на восемь символических зон, тем самым показав сходство и различия в работах художников, оттенив их особенности. Все работы, уверены кураторы, могут органично вписаться в любой современный интерьер.

«Вдохновением для выставки стала работа французского философа Гастона Башляра «Поэтика пространства», который описывал эстетические переживания, вызванные разными местами, например, в доме детства, — объясняет куратор галереи и выставки Елена Теплова. — В ощущениях все смешивается: история пространства, воспоминания, рожденные воображением идеи, мечты, эмоциональное состояние — из всего этого складывается «переживание места».

Такие художественные интерпретации кажутся особо уместными в старом доме начала XIX века, где и разместилась сама галерея. У этого здания много своего собственного контекста, своей истории, архитектурных и эстетических особенностей. «Вместе с художниками мы с ними взаимодействуем и в результате получаются грёзы, совместное высказывание искусства и пространства», — добавила Елена Теплова.

Свою работу «Норм» петербургская художница Лада Учаева создала специально для этой выставки. В экспозиции это символическая «зона входа»‎, где произведение отражает чувства человека, впервые вошедшего в двери нового пространства: «пока ничего непонятно, но вроде норм»‎. С вербализацией неясных чувств Лада Учаева работает постоянно, преимущественно в технике ручной вышивки, которая подчеркивает субъективную ценность высказывания. «Норм»‎ выполнена на советском красном бархате, который за счет своей фактуры переливается в свете и каждый раз проявляется по-новому.

Фото: Предоставлено Галереей 30/7

Фото: Предоставлено Галереей 30/7

Самая большая живописная работа на выставке — «Любовное сражение во сне»‎ Светланы Холлис. Это абстрактное полотно, созданное в авторской технике живописи на 360 градусов. Художница пишет композицию с обратной стороны холста масляными аэрозольными красками, поэтому работа двусторонняя. На выставке она репрезентует «зону коммуникации»‎, где бурлят, кружатся, перетекают из одного в другое, как живописные пятна, разговоры об искусстве.

Завершают выставку произведения Леонида Пурыгина, одного из самых самобытных художников советского андеграунда. В «зоне грез»‎ выставлены две работы 1980-х годов — из его знаменитых складней. Одна из работ, «Любовь»‎ украшена художником металлическими звездочками, которые когда-то увидел Илья Кабаков и, вдохновившись, создал свою знаковую серию «Праздники»‎. Центральная работа в пространстве — «Голубая Пипа»‎, выполненная на доске уже в американский период 1990-х годов.

Мечты о свободе: из Москвы — в Дрезден | Культура и стиль жизни в Германии и Европе | DW

В субботу, 2 октября, в Дрездене открылась выставка «Мечты о свободе. Романтизм в России и Германии». Это международный выставочный проект Третьяковской галереи и Государственных художественных собраний Дрездена. С апреля по август выставка проходила в российской столице, и вот теперь дух романтизма смогут прочувствовать любители искусства и в столице Саксонии. Как подчеркивают организаторы, это «первая масштабная попытка сопоставить на одной площадке искусство эпохи романтизма в России и Германии».

Как и в Новой Третьяковке в Москве, в музее Albertinum, который является частью Государственных художественных собраний Дрездена, экспозиционное пространство было спроектировано архитектором Даниэлем Либескиндом. Здесь нет четких границ между разделами, а темы плавно перетекают одна в другую, сталкиваясь в неожиданных сочетаниях. Выставка в Дрездене продлится до 6 февраля 2022 года.

В центре лабиринта — четыре главных художника русского и немецкого романтизма: Алексей Венецианов, Александр Иванов, Каспар Давид Фридрих (Caspar David Friedrich) и Карл Густав Карус (Carl Gustav Carus). Среди картин, приехавших теперь из России в Германию и взятых из собрания Третьяковской галереи, других российских музеев и частных собраний, — живописные полотна и графика, документы и предметы быта.

Каспар Давид Фридрих. «Странник над морем тумана» (1818)

Причем, речь идет не только о произведениях конца XVIII — середины XIX веков (так определяют хронологические рамки эпохи романтизма), но и о дополняющих их работах современных художников, которые показывают, как «романтический проект» продолжается сегодня.

Дух и просветление в религии и искусстве

Типичными для романтизма были религиозно-патриархальные мотивы, обожествление природы. Отсюда, например, — сельские идиллии Венецианова и аллегорические сюжеты мистического просветления, связанного с религиозным духом. Этому духу и этому просветлению, по убеждению сторонников романтизма, и должно служить искусство. Один из самых ярких примеров — полотно Иоганна Фридриха Овербека (Johann Friedrich Overbeck) «Триумф религии в искусствах», законченное в 1840 году.

В центре картины — Мадонна, символизирующая «царицу искусств» поэзию. Рядом с ней — коленнопреклоненные Рафаэль и Дюрер, а вокруг нее, сверху и снизу, справа и слева, кроме многочисленных библейских персонажей, — десятки художников, поэтов, архитекторов. Картина так поразила императора Николая Первого, что он поручил сделать с нее копию и повесил ее во дворце. Эта копия хранится в Эрмитаже, откуда ее и привезли на выставку.

Главный представитель русского романтизма

Овербек, принадлежавший к так называемым назарейцам — художникам, которые стилизовали свои аллегорические полотна под искусство раннего Возрождения, работал над картиной «Триумф религии в искусствах» более 10 лет. Русскому живописцу Александру Иванову понадобилось 20 лет, чтобы создать свое эпическое полотно «Явление Христа народу». На выставке в Новой Третьяковке Иванов показан как главный представитель русского романтизма. Его работы включены в самые разные разделы экспозиции. Но центральное место занимают в ней, конечно, эскизы к картине «Явление Христа народу».

Александр Иванов. «Явление Христа народу» (1837-1857)

В свое время полотна Овербека, особенно «Триумф религии…», поразили Иванова. Разумеется, он не подражал немецкому художнику, но мотивы романтиков, их художественное мышление, поиски идеала, попытки прочувствовать и отразить «мировую гармонию» были близки Иванову. Это иллюстрируют и его итальянские пейзажи. Италия была и для него, и для немцев символом романтизма. Сопоставление «итальянских» полотен русских художников с аллегорическими пейзажами Каспара Давида Фридриха илиКарла Густава Каруса), врача, художника и крупнейшего теоретика немецкого романтизма, наглядно показывает параллели между мировосприятием и творчеством немецких и русских художников-романтиков.

Связи Германии и России

Но в экспозиции выставки «Мечты о свободе» есть не только пейзажи с романтическими развалинами, горными вершинами и грозными морскими штормами. Здесь десятки портретов, многие из которых заставляют вспоминать об образе Ленского, нарисованном Пушкиным в «Евгении Онегине»:

«Он из Германии туманной
Привез учености плоды:
Вольнолюбивые мечты,
Дух пылкий и довольно странный,
Всегда восторженную речь
И кудри черные до плеч».

Пушкин писал о Ленском с иронией, но романтизмом проникнуто и его творчество, не говоря уже о вольнолюбивых мечтах поэта, которые, увы, так и остались мечтами. Но особенно ярким представителем романтизма в русской литературе был, конечно, Жуковский. И здесь можно увидеть особенно тесные связи между русским и немецким романтизмом. Не случайно Жуковский так много переводил немецких поэтов: Шиллера (Friedrich von Schiller), Гете (Johann Wolfgang von Goethe), Шамиссо (Adelbert von Chamisso), многих других… Связи и параллели в искусстве Германии и России — самое интересное и для многих и самое неожиданное, что показывает выставка, открывшаяся в Дрездене.

Смотрите также:

• Прогулка глазами художников-романтиков

  Назад к природе

  Призыв «Назад к природе!» сформулировал французский философ Жан-Жак Руссо. В Германии и других странах Европы он упал на благодатную почву. Выставка в Берлине «Страсть к походам. От Каспара Давида Фридриха до Огюста Ренуара» показывает, как любовь к прогулкам отражали художники в 19-м веке. Эта картина Огюста Ренуара 1876/77 года называется «Тропинка в высокой траве».

• Прогулка глазами художников-романтиков

  Дамы на природе

  В первой половине 19-го века женщины редко совершали долгие пешие прогулки, тем более без сопровождения мужчин. По этой причине их изображение редко можно встретить на картинах этого периода. Полотно Ансельма Фейербаха «Две дамы на природе» было написано в 1867 году. Женщин, бродящих по залитым солнцем лугам с зонтиками в руках, любили изображать импрессионисты, например, Огюст Ренуар.

• Прогулка глазами художников-романтиков

  Манящий юг

  Северных европейцев притягивала к себе Италия и особенно ее регионы с первозданной природой. Одной из любимых целей путешественников была Римская Кампанья. Личную встречу с природой, ее индивидуальное восприятие отражают выставленные в Старой национальной галерее в Берлине картины, как, например, полотно Карла Шпицвега «Англичане в Кампанье» 1835 года.

• Прогулка глазами художников-романтиков

  Романтические Альпы

  Альпы и регионы к северу от них тоже интересовали художников и писателей 19-го века. Немецкие романтики путешествовали в долине Рейна, в Гарце, Айфеле и Саксонской Швейцарии, описывая эстетическое и историческое значение этих горных регионов. На этой картине Карла Эдуарда Бирмана 1830 года изображена вершина горы Веттерхорн в швейцарских Альпах.

• Прогулка глазами художников-романтиков

  Автопортрет с подтекстом

  Наряду с реалистичным изображением ландшафтов и путешественников художники порой передавали заведомо сконструированную ситуацию. Так, например, Гюстав Курбе на картине «Встреча» 1854 года изобразил самого себя (справа), показав тем самым, что он ровня своему меценату.

• Прогулка глазами художников-романтиков

  В пути

  Среди картин на выставке можно увидеть и работу русского художника-передвижника Ивана Крамского 1873 года, на которой он изобразил своего соотечественника, известного пейзажиста Ивана Шишкина во время пешей прогулки.

• Прогулка глазами художников-романтиков

  Прогулки в экспрессионизме

  Интерес к теме походов и прогулок характерен не только для живописи 19-го века. Она нашла свое продолжение и в искусстве 20-го века. Таким, одиноко идущим в неизвестность, изобразил путника экспрессионист Эмиль Нольде в 1907 году на картине «Зима».

  Автор: Ольга Солонарь

«Большая глина №4» Урса Фишера на Болотной набережной: что об этом думают горожане и искусствоведы

На Болотной набережной перед готовящимся к открытию Домом культуры «ГЭС-2» появилась скульптура швейцарского художника Урса Фишера «Большая глина № 4». У горожан она вызвала неоднозначную реакцию, высказался даже пародист Максим Галкин. «Афиша Daily» собрала мнения людей, а также спросила у представителя «ГЭС-2», что они думают о критике.

Катерина Чучалина

Главный куратор V-A-C (фонда, который открывает «ГЭС-2»)

О чем эта скульптура? Есть в русском языке хорошее слово «начаток» — это начало начал. Любой предмет когда‑то был пластичной материей, который со временем обрел форму, цвет, функцию. Глина — податливый материал, который художник мнет в руках, и он может превратиться в соответствии с его замыслом во все что угодно. «Большая глина» — метафора творчества.

Не стоит рассматривать эту скульптуру как отдельную работу. Наша первая художественная интервенция — увертюра в трех действиях. Она состоит из двух инсталляций и публичной программы, включающей в себя телесные практики, медиаторские туры и художественное оформление территории у «ГЭС-2». Кроме того, работа Урса Фишера не случайно установлена по соседству со зданием, которое реконструировал Ренцо Пьяно. Твердая структура, четкая геометрия представляет идеальный контраст с первоначальной формой, которую олицетворяет эта скульптура.

Мы получили разрешение на временное экспонирование на этом месте работ современного искусства, так что они будут регулярно меняться.

Критика была ожидаема. Любая работа художника — объект для критики. Тем более когда она не спрятана за стенами музея или культурного пространства. Вынесенная на улицу, она обнажена и беззащитна, обречена на пристальное внимание зрителей и оценочные суждения. В этой ситуации нет ничего плохого. Что же касается шуток — меня обескураживает то, что они совершенно несмешные. Я посмотрела комментарии в социальных сетях и удивилась скудости аналогий. Это действительно печально.

Максим Галкин, юморист и ведущий

Григорий Ревзин, архитектурный критик, партнер КБ Стрелка

Антон Хитров, театральный критик

Анатолий Капустин, блогер

«Хахаха он набевал и сам съел»
Так о венском акционизме смело
Пишет самый авторитетный в нашей стране
Культуролог Василий из девятого «Б»
Надежда арт мира России pic.twitter.com/LVLDuJ1vdT

— анатолий ноготочки💅 (@A_Kapustin) August 14, 2021

Илья Клишин, сооснователь медиаконсалтингового агентства KFConsulting

Дмитрий Пиликин, искусствовед

Александр Пелевин, писатель

Если скульптура похожа на говно, есть два объяснения
1. Скульптор не понимал, что его работа похожа на говно. Тогда это хреновый скульптор.
2. Скульптор прекрасно понимал, что его работа похожа на говно, и сделал это специально, потому что говно круто. Тогда это хитрый скульптор.

— Александр Пелевин (@comrade_wolgast) August 18, 2021

Сабина Чагина, куратор проектов в области уличного искусства

Авдей Тер-Оганьян, художник

Иван Давыдов, журналист

Сергей Семенович Собянин — политик будущего. Он объединяет людей. Поставил вот на Болотной набережной «Большую глину №4» Урса Фишера — и ненависть к ней объединила либералов с путинистами. Сергей Семенович — человек, творящий консенсус в обществе. https://t.co/lTTDQDPwYf

— ivan davydov (@ivan_f_davydov) August 16, 2021

Не понимаю, как всерьёз критиковать любую сколь-нибудь внятную скульптуру в городе памятника Владимиру и церетелевского Петра.Ребята, у вас две настоящие гигантские кучи говна в центре возведены, давайте сперва с ними разберётесь, а потом уже будем спорить о современном искусстве https://t.co/ZlS7JvcwVD

— Саботажник из Снапчата (@lampimampi) August 16, 2021

Константин Коновалов, дизайнер

Пришёл специально посмотреть на это!

Я а восторге. Давно в Москве не устанавливали крутых монументов! Скульптура очень хорошо вписалась в место, немного нависая над водой. Особенно завораживают отпечатки пальцев на кусках глины. И с разных сторон центр масс ощущается по-разному. pic.twitter.com/GZkhLLngM4

— Constantine (@CKonovalov) August 16, 2021

Подробности по теме

Хлеб, воск, морковка: из чего делает искусство Урс Фишер, автор скульптуры у ГЭС-2

Хлеб, воск, морковка: из чего делает искусство Урс Фишер, автор скульптуры у ГЭС-2

Новое место силы в Москве: Дом культуры “ГЭС-2”

Своды. Фото: Глеб Леонов. Фото: Глеб Леонов. Фото: Глеб Леонов. 

Чтобы объяснить драматургию и уникальность пространства ГЭС-2, вернемся к понятию “Площадь” (Ренцо Пьяно использует этот прием практически во всех своих проектах) — это идея итальянской площади, теплой и открытой для всех, где можно расположиться прямо на полу и где границы между улицей и внутренней средой стираются.

Фото: Глеб Леонов. 

Путешествие по территории Дома культуры начинается со стороны набережной — со ступеней, которые тоже стали частью проекта, продолжается сквозь центральные арочные входы ГЭС-2, и далее посетитель двигается по “Проспекту” и выходит в березовую рощу, спроектированную совместно с Мишелем Девинем — автором ландшафтного дизайна для этого проекта. Затем мы двигаемся сквозь густую березовую рощу (тут уже ощущение складывается совершенно магическое, будто из центра Москвы вы переноситесь в дикий лес), которая ведет к “Бельведеру” — платформе над “Сводами” с видом на Водоотводный канал Москвы-реки и здание ГЭС-2. Здесь воссоздан хрестоматийный российский пейзаж, для которого ландшафтным дизайнерам нужно было отыскать идеально ровные, одинакового размера деревья. Корни деревьев поместили в скрепленные между собой мешки с вулканической породой, обеспечивающей устойчивость и предотвращающей разрастание корней. Для 620 саженцев и 80 тысяч кустов создали капельную систему орошения, которая контролируется из “диспетчерской”, расположенной под землей.

План территории ГЭС-2 сверху. Фото: RPBW. Березовая роща в ГЭС-2. Фото: Глеб Леонов. 

“Я очень советую побывать в роще, это настоящий experience. Вокруг тебя растут эти высоченные растения, деревья, кусты, и ты в них утопаешь. Начав свой путь внизу, по витиеватой тропинке, проходя через зоны отдыха с лавочками, мы попадаем на верхнюю точку — тот самый “Бельведер”. Оттуда открываются удивительные виды на город и ГЭС-2”, — говорит Анна.

“Пространстве света” (2008 г.) Джузеппе Пеноне во дворе ГЭС-2. Фото: Глеб Леонов. 

Вид с Бельведера. 

Фото: Юрий Пальмин. 

Сам Ренцо Пьяно наблюдает за своим проектом в режиме реального времени из парижского офиса, внося коррективы на всех этапах работы. Сейчас проект ГЭС-2 на финишной прямой, практически все готово к запуску, публичная программа “ГЭС-2 Спуск” стартовала, и весь город лишь ждет, когда здание откроет свои двери для всех. В ближайших планах V–A–C — запуск масштабного проекта “Я моторы гондолы разбираю на части. Карнавал в четырех действиях”, в котором художники, хореографы, драматурги, музыканты, композиторы и комики будут вместе переизобретать карнавал, чтобы понять, каким он может быть сегодня, а также коллективная выставка “В Москву! В Москву! В Москву!”, на которой будут представлены работы Рагнара Кьяртанссона и художников из разных стран, в том числе созданные специально для ГЭС-2.

Наглядное видео о процессе реконструкции ГЭС-2

А в ноябрьском номере AD читайте эксклюзивную беседу Ренцо Пьяно с Алексеем Тархановым. 

Шепард Фейри переносит свое искусство в Москву

На пороге Второй мировой войны и перед лицом фашистских и коммунистических угроз Джордж Оруэлл писал: «Мы нынче опустились на такую ​​глубину, на которой повторение очевидного — первая обязанность умных людей».

Хотя 2018 год — это не 1939 год, американский уличный художник Шепард Фейри рассматривает растущее неравенство, корпоративную жадность, ухудшение состояния окружающей среды, цифровую дезинформацию и возрождающийся национализм как достаточную причину, чтобы указать на то, что все могут увидеть, если потратят время посмотреть: злоупотребление властью в эпоху потребительства и самоуспокоенности.

Метод Фейри для передачи этого сообщения на его выставке «Форс-мажор» в MMoMA столь же гениален, сколь и груб. В серии из 400 трафаретов и шелкографии, которые занимают весь музей, Фейри использует русский конструктивизм, социалистический реализм и мастеров советской пропаганды, чтобы проиллюстрировать американские излишества. Его аргумент в пользу представления Соединенных Штатов в коммунистических цветах состоит в том, чтобы показать, что, хотя использование власти в Америке часто игнорируется, оно может быть таким же зловещим, как и в Советском Союзе.Как Фейри заявил российской прессе: «Манипуляция и контроль могут принимать более изощренные формы в США, но это не делает их менее гнусными, чем обман, который здесь происходил, и я попытался подчеркнуть это, изобразив американские темы в советском стиле. -стиль.»

Выставка Фейри начинается с небольшого наброска культового американского рестлера Андре Великана. По словам Фейри, эскиз появился, когда он пытался научить друга вырезать трафарет и был вынужден использовать единственный журнал, который у него был под рукой.У этого журнала на обложке была фотография Андре Великана, и Фейри подумал, что фотография достаточно хороша для его педагогических целей.

Вскоре после создания основного трафарета лица Гиганта, набросок зажил собственной жизнью. Во-первых, Фейри превратил набросок в огромный плакат, написал уже знакомое ему «Повинуясь» наверху и начал развешивать копии изображения в своем районе. Абсурдный плакат ошеломил зрителей и заставил искать его смысл в более широком мире.

Успех первоначального наброска Фейри привел к дальнейшим итерациям темы Андре Гиганта, кульминацией которых стала пьеса «Всемирная пропаганда», в которой «ПОСЛУШАТЬСЯ» написано карандашом на голове советского молота, готового использовать против любого, кто осмелится заблудиться. от команды Великана.

Две дополнительные гравюры — «Спасатель» и «Рай» — передают критический дух выставки. «Спасатель» состоит из трех пальм и пляжа на переднем плане, масляного насоса на заднем плане и подписи: «Спасатель: не на дежурстве.«Рай» показывает молодую пару, расслабляющуюся у моря с грозными электрическими башнями, а заголовок гласит: «Наслаждайтесь раем до тех пор, пока не стихнет волна». Опять же, сообщения здесь настолько прямолинейны, насколько это возможно, но они укрепляют уверенность Фейри в том, что мы опасно игнорируем экологические проблемы и собственное благополучие во имя корпоративной прибыльности. По словам Фейри: «Мы зависимы от нефти, но от чего? Для денег? Это нас убивает! »

Наконец, обзор работы Фейри был бы неполным без упоминания его самой известной работы «Надежда: Обама 2008.Плакат изображает Обаму, уверенно смотрящего в будущее, с надписью «НАДЕЖДА» внизу, точно так же, как «ПОСЛУШАТЬСЯ» было помещено на первом плакате Фейри с Андре Великаном.

Конечно, было что-то ироничное в создании портрета Обамы в прекрасном советском стиле еще в 2008 году, и на открытии своей выставки в Москве Фейри сказал: «Как и в раннесоветские устремления, либеральные обещания Обамы привели к разочарованию. . »

Но независимо от политических взглядов Фейри, изображение остается символом художника, его предмета и определенного времени в американской политике и искусстве.

Смотрите шоу Шепарда Фейри в MMoMA до понедельника.

Гогелевский бульвар, 10. Метро Кропоткинская. www.mmoma.ru

Ирина Нахова — Художники — Галерея Наиля Александра

Ирина Нахова (род. 1955, Москва) в 1978 году окончила факультет графического дизайна Московского полиграфического института, где училась у поколения русских художников-нонконформистов, ныне известных как Московская концептуальная школа.Она получила международное признание как молодой художник за Комнаты (1983–1987), первую «тотальную инсталляцию» в русском искусстве, расположенную в московской квартире, где она живет до сих пор.

Художник-инсталлятор и художник с академическим образованием, Нахова объединяет живопись, скульптуру и новые медиа в интерактивные инсталляции и среды, которые привлекают зрителей как соавторов концептуальных пейзажей. «Одна из моих самых больших целей — создать пространства для различного опыта, физического и интеллектуального, которые не существуют иначе как пространства», — сказала Нахова в интервью New York Arts Magazine .«Меня интересует искусство, дающее опыт, мощное, открывающее глаза и имеющее значение. Значение, которое дает понимание как индивидуальной, так и общественной жизни, поскольку я все еще верю, что искусство — это сила».

Нахова была членом Союза художников СССР с 1986 по 1989 год. Ее первая монография, Ирина Нахова: Работы 1973–2004 , была совместно опубликована в 2004 году Международной летней академией Зальцбурга, Австрия, и Национальной Центр современного искусства, Москва.Нахова была удостоена престижной Премии Кандинского в категории «Проект года» в 2013 году — одной из высших наград в современном российском искусстве. В 2015 году она была выбрана первой женщиной-художником, представившей Россию в ее павильоне на Венецианской биеннале, с инсталляцией « Зеленый павильон », которую The Guardian назвал «преследующей … ее воздействие разрушительно прямое».

В каталоге «Зеленый павильон» куратор «» Маргарита Тупицына пишет о красно-зеленой комнате Наховой: «Абстрактная композиция взята из более раннего полотна Наховой« Основные цвета 2 »(2003), пропитанного редуктивными теориями цвета русского авангарда. … И принять то, что Малевич назвал «новым цветным реализмом».При механическом применении последний выходит за границы холста и действует в буквальном пространстве. В этом смысле зелено-красная комната Наховой — это постмодернистский (джемесоновский) гибрид цвета формы и цвета текста, в котором можно найти следы и искажения общества в целом ».

Работы Наховой участвовали в более чем тридцати персональных выставках и многочисленных крупных групповых выставках по всему миру. Ее работы можно найти в частных коллекциях и музейных собраниях, таких как Тейт Модерн, Лондон; Коллекция советского нонконформистского искусства Нортона и Нэнси Додж, Нью-Брансуик; Государственная Третьяковская галерея, Москва; и Московский музей современного искусства.Она преподавала современное искусство в Государственном университете Уэйна, Университете Карнеги-Меллона, Принстонском университете, Международной летней академии изящных искусств в Зальцбурге и других учреждениях.

Ирина Нахова живет и работает в США и России.

Василий Кандинский — Живопись, искусство и факты

Художник Василий Кандинский, родившийся в России, считается лидером авангардного искусства и одним из основоположников чистой абстракции в живописи начала 20 века.

Кем был Василий Кандинский?

Василий Кандинский всерьез занялся изучением искусства в 30 лет, переехав в Мюнхен, чтобы изучать рисунок и живопись. По образованию музыкант, Кандинский подошел к цвету с чувством музыканта. Одержимость Моне привела его к исследованию собственных творческих концепций цвета на холсте, которые иногда вызывали споры среди его современников и критиков, но Кандинский стал уважаемым лидером движения абстрактного искусства в начале 20 века.

Ранняя жизнь

Василий Кандинский родился в Москве 4 декабря 1866 года (16 декабря по григорианскому календарю) в семье музыкальных родителей Лидии Тихеевой и торговца чаем Василия Сильвестровича Кандинского. Когда Кандинскому было около 5 лет, его родители развелись, и он переехал в Одессу, чтобы жить к тете, где он учился игре на фортепиано и виолончели в гимназии, а также изучал рисование с тренером. Еще мальчиком у него был интимный опыт в искусстве; работы его детства раскрывают довольно специфические цветовые сочетания, проникнутые его пониманием того, что «каждый цвет живет своей загадочной жизнью.«

Хотя он позже писал:« Я помню тот рисунок, а чуть позже и живопись, вывели меня из реальности », он последовал желанию своей семьи стать юристом, поступив в Московский университет в 1886 году. Он окончил его с отличием. но его этнография принесла ему стипендию для полевых исследований, что повлекло за собой поездку в Вологодскую область для изучения их традиционной уголовной юриспруденции и религии. Тамошнее народное искусство и духовное обучение, казалось, пробуждали скрытые стремления. Тем не менее, Кандинский женился на своей двоюродной сестре Анне Чимякиной в 1892 г. и поступил на Московский юридический факультет, заведуя на стороне художественно-типографским заводом.

Но два события повлияли на его резкую смену карьеры в 1896 году: просмотр выставки французских импрессионистов в Москве годом ранее, особенно «Стога сена » Клода Моне в Живерни , которая была его первым опытом непредставительного искусства; а затем слушание « Лоэнгрин » Вагнера в Большом театре. Кандинский решил отказаться от своей юридической карьеры и переехать в Мюнхен (он выучил немецкий у своей бабушки по материнской линии в детстве), чтобы полностью посвятить себя изучению искусства.

Искусство и живопись

В Мюнхене Кандинского приняли в престижную частную школу живописи, а затем в Мюнхенскую Академию художеств. Но большая часть его исследования была самостоятельной. Он начал с обычных тем и форм искусства, но все это время он формировал теории, основанные на преданных духовных исследованиях и основанные на тесной взаимосвязи между музыкой и цветом. Эти теории объединились в течение первого десятилетия 20-го века, что привело его к окончательному статусу отца абстрактного искусства.

Цвет стал скорее выражением эмоций, чем точным описанием природы или предмета. Он установил дружеские отношения и создал группы художников с другими художниками того времени, такими как Пауль Клее. Он часто выставлялся, преподавал изобразительное искусство и публиковал свои идеи по теории искусства.

В это время он познакомился со студенткой факультета искусств Габриэле Мюнтер в 1903 году и переехал к ней до того, как в 1911 году был завершен развод с женой. Они много путешествовали, поселившись в Баварии до начала Первой мировой войны.

Он уже основал Ассоциацию новых художников в Мюнхене; Группа Blue Rider была основана вместе с другим художником Францем Марком, и он был членом движения Баухаус вместе с Клее и композитором Арнольдом Шенбергом.

Первая мировая война вернула Кандинского в Россию, где на его художественный взгляд оказало влияние конструктивистское движение, основанное на жестких линиях, точках и геометрии. Там 50-летний Кандинский познакомился с Ниной Андреевской, дочерью генерала российской армии, моложе ее на несколько десятков лет, и женился на ней.У них родился сын, но мальчик прожил всего три года, и тема детей стала табу. Пара осталась в России после революции, а Кандинский приложил всю свою неугомонную и всестороннюю энергию к управлению образовательными и государственными художественными программами, помогая создать в Москве Институт художественной культуры и Музей изобразительной культуры.

Вернувшись в Германию после теоретического столкновения с другими художниками, он преподавал в школе Баухаус в Берлине и писал пьесы и стихи.В 1933 году, когда нацисты захватили власть, штурмовики закрыли школу Баухаус. Хотя Кандинский получил немецкое гражданство, Вторая мировая война не позволила ему остаться там. В июле 1937 года он и другие художники были представлены на «Выставке дегенеративного искусства» в Мюнхене. Он был широко посещен, но 57 его работ были конфискованы нацистами.

Смерть и наследие

Кандинский умер от цереброваскулярного заболевания в Нейи-сюр-Сен, Франция, 13 декабря 1944 года.

Он и Нина переехали в пригород Парижа в конце 1930-х годов, когда Марсель Дюшан обнаружил квартирка для них.Когда в 1940 году немцы вторглись во Францию, Кандинский сбежал в Пиренеи, но впоследствии вернулся в Нейи, где жил довольно уединенно, подавленный тем, что его картины не продаются. Хотя многие до сих пор считают его спорным, он заработал видных сторонников, таких как Соломон Гуггенхайм, и продолжал выставляться до своей смерти.

Немногое из работ Кандинского, написанных в России, сохранилось, хотя многие из картин, которые он создал в Германии, все еще существуют. Нью-йоркские аукционные дома по-прежнему вызывают у него гордость — за последние годы его работы были проданы более чем за 20 миллионов долларов.Кандинский считал, что каждый временной период накладывает свой неизгладимый отпечаток на художественное выражение; его яркие интерпретации цвета через музыкальные и духовные чувства, безусловно, изменили художественный ландшафт в начале 20-го века в будущем, ускорив наступление современной эпохи.

Анти-шоу — Журнал № 81 Апрель 2017

Давным-давно в СССР учились тысячи молодых людей со всего мира — в основном из социалистических стран, но также из симпатизирующих им стран и из капиталистических стран, присланных левыми партиями.Основная цель нашего обучения заключалась в том, чтобы стать специалистами по распространению идей марксизма-ленинизма по всему миру. Это означало отстаивать коммунизм, в нашем случае, через социалистический реализм.

Мануэль Алькайд, молодой студент из Гаваны, переехал в Москву в 1978 году, чтобы изучать живопись и сценографию. Несмотря на то, что просоветские тенденции набирали силу в государственных учреждениях Кубы, кубинскому социалистическому реализму так и не удалось выйти далеко за рамки культурной политики.Некоторые советские наставники работали в кубинском художественном образовании в конце 1970-х, но студенты шутили по поводу «путаницы» официальных стилей, которые они преподавали (даже убеждая преподавателей принять этот термин, не объясняя его значения, чтобы затем они рассказывали своим ученикам рисовать «мутнее»).

В арт-системе Москвы по-прежнему доминировало «официальное искусство» и управлялось через комплекс государственных и профессиональных организаций, связанных выставочных площадей, ассоциаций художников и награждений.Во время своего пребывания в Москве Алькайд познакомился с группой молодых художников, которые называли себя мухоморами («Поганки», в частности культовый сорт мухомора мухомор , красный с белыми пятнами, ядовитый и галлюциногенный) и вошел в круги «неофициального» искусства. :

Побывал на выставках, акциях, концертах, чтениях, участвовал в тертулиях . Эти события могут происходить где угодно и где угодно — включая гостиную квартиры, парк, коттедж в деревне, метро или другие открытые пространства — под фальшивым предлогом особого случая, такого как день рождения или приветственная вечеринка.Они составлялись в рамках ограниченного бюджета и почти всегда ограничивались юридическими и политическими ограничениями, включая крайние политические риски.

Для художников, которые работали способами, не признанными официальной системой искусства, такие tertulias были основным средством распространения произведений искусства.

В период с 1982 по 1984 год АПТАРТ был институционализацией таких собраний в Москве от художника к художнику. Группировка художников и коллективов художников, квартирно-выставочное пространство, череда показов в квартире и на открытом воздухе, движение и коллективный проект, действия АПТАРТа были охарактеризованы его участниками как «рабочие экспозиции», «анти-шоу», «Выставочные-невыставочные» или — следуя изречению соцреалистов о том, что искусство должно быть националистическим по форме и социалистическим по содержанию — как «квартирное искусство» по «национальности».(Последнее является косвенным, но наводящим на размышления описанием — коллапс национального государства в пространство квартиры, смешение идентичностных требований национальности и оставление идеи «социалистического содержания» в подвешенном состоянии.) Название представляет собой сокращение от « квартирное искусство », а также игра на русском языке APT , что означает ART: своего рода заикание,« ART ART », повторение« ART »на русском и английском языках. АПТАРТ также можно увидеть вместе с инициативой других крупных художников в Москве того времени, Московским архивом нового искусства (1981–86), совместным архивом, который также ознаменовал саморефлексивный момент в экспериментальной линии города.Никита Алексеев, в квартире которого начинался АПТАРТ, не видит большого значения в том, что они сделали, и, безусловно, этот пример самоорганизации художников — лишь небольшая часть обширной сети «неофициальной» деятельности в Москве и за ее пределами. Но такие микроэксперименты в коллективном времени и пространстве преподносят важные уроки на данный момент.

АПТАРТ был не первой организацией квартирных выставок в Советском блоке, но и одной из последних. Когда государственные учреждения были полностью переданы «официальным» художникам, презентация искусства в домах и за их пределами была относительно широко распространена, особенно с 1960-х и 1970-х годов.В 1976 году группа художников в Одессе подготовила анкету, в которой спрашивали: «1) как вы относитесь к квартирным выставкам ?; 2) какие из представленных художников вам больше всего интересны ?; и 3) что характеризует вашу собственную работу? » Для этих художников не было альтернативы выставкам в квартирах: «официальные художественные выставки не оставляли места для произведений искусства, которые были результатом сильного внутреннего стремления исследовать язык искусства как таковой».

История официального и неофициального искусства сложна и неоднородна.Уровень запрета или относительной гибкости значительно варьировался в зависимости от региона и преобладающих политических условий. Неофициальное искусство было объединено тем, чем оно не было («официальным искусством»), но, помимо этого, можно сделать несколько обобщений. Некоторые художники идентифицировались как «диссидентские» или явно «антисоветские», но многие другие были явно аполитичны или занимали более тонкие позиции между ними. Что касается всех советских граждан, то здесь было бесплатное образование, отопление и оплачиваемый отпуск, и большинство «неофициальных» художников были наняты государством (в качестве учителей или, в исключительных случаях, в творческих профессиях, таких как иллюстрация и книжный дизайн).Несмотря на широко распространенную антипатию к государству, его удовлетворение основных потребностей — и значительное количество свободного времени — не помешало художникам. Часто неофициальные пространства, поддерживающие нонконформистскую культуру, также были государственными учреждениями, а не системой искусства.

Приверженность социалистическому реализму восходит к речи Сталина в 1932 году перед группой писателей в московском доме Максима Горького: «Художник должен уделять первоочередное внимание правдивому изображению жизни, и если он действительно изображает нашу жизнь , то он не может не отметить, не может не показать, что это ведет к социализму.Это будет социалистическое искусство. Это будет соцреализм ». Два года спустя, в августе 1934 года, социалистический реализм будет институционализирован на Первом Всесоюзном съезде советских писателей. Если выступление Сталина положило начало одной из траекторий искусства в двадцатом веке, его будущие соперники по холодной войне консолидировали нечто подобное через такие учреждения, как Музей современного искусства и Центральное разведывательное управление. Этот рассказ также начался в домашних или частных помещениях, с офиса Альфреда Барра на Манхэттене и салона Гертруды Стайн в Париже, который занял место московского дома Горького.

Последующие конфликты между этими нарративами, выкованными в домашнем пространстве, будут разыграны в знаменитой бинарной системе времен холодной войны между реализмом и экспрессионизмом, прообразом которой уже послужили знаменитые атаки Георга Лукача в 1930-х годах на модернистскую, экспрессионистскую и абстрактную эстетику. Американский экспрессионизм, со своей стороны, агрессивно искал опору в других геополитических блоках, включая бывший Восток; примечательным здесь является Американская национальная выставка 1959 года в Москве (с Джексоном Поллоком, Виллемом де Кунингом и Марком Ротко, среди других).К началу 1980-х годов Нью-Йорк был центром быстро расширяющейся системы коммерческого искусства в годы своего бума, в то время доминировала неоэкспрессионистская живопись.

Но обширная сеть квартирных акций и других «неофициальных» мероприятий, небольшую часть которых составляют анти-шоу APTART, распутывает эти эпические конфликты, даже когда они предлагают незначительные способы, которыми их элементам можно было бы придать новую форму. Практики вокруг APTART были столь же далеки от «официальной» московской арт-системы, как и от «официальных» проявлений неолиберализма эпохи Рейгана: «нового духа в живописи», Джулиана Шнабеля и всего остального восходящего солнца, в большинстве своем. ценные арт-товары.Наталья Абалакова и Анатолий Жигалов написали своеобразный «пресс-релиз» к первому анти-шоу осенью 1982 года:

Это мероприятие не является выставкой и уж точно не частным показом. Это квартира художника, где его друзья-художники собрались для совместной работы. И те, кто собрались, никоим образом не представляют собой единую группу. Эти люди слишком разные для этого. Это, скорее, направление или движение. Единственным объединяющим фактором среди всех является некая общая тенденция, тенденция, которая отличает этих художников от авангардных русских художников 1970-х годов, оставшихся в рамках традиционного искусства.Собравшиеся здесь художники разрушают границы между общепринятыми представлениями об искусстве и живой реальностью, а также между художником и зрителем. Совершенно иначе они подходят к самому «художественному продукту». Работая над гипотетической границей между искусством и жизнью, они исследуют проблему этой «границы», анализируя самую суть художественного явления. Их интересует механизм искусства, его структура, его функция в жизни и в обществе, его способность общаться, учить, вовлекать, его способность создавать дистанцию, его социальные аспекты и т. Д.Вопрос адресован самому художнику. Он развенчивает миф о художнике как о Демиурге, непостижимом гении-одиночке. Переоценены все модели и концепции. Но это не анализ в обычном понимании. Это прежде всего действие, творческая реализация.

APTART последовал за периодом изоляции или раздробленности в местном художественном сообществе. Как тогда писал Свен Гундлах, «главное, на мой взгляд, то, что не так давно ничего не было, а потом вдруг было — и есть — что-то.Молодые художники выросли по «московской концептуальной» традиции: они посещали семинары с Ильей Кабаковым, Эриком Булатовым, Иваном Чуйковым, Борисом Гройсом и многими другими, их вели Комар и Меламид. Вместе с Андреем Монастрийским, Львом Рубинштейном и Георгием Кизевальтером Алексеев был одним из основателей группы «Коллективные действия», которая с 1976 года организовывала эфемерные, мистические «пустые акции» в сельских или окраинных районах Москвы для приглашенных групп участников-наблюдателей. APTART повторил давнюю практику неформальных встреч неофициальных художников, размышляя и развивая непрерывные дискуссии, которые связывали три поколения московских художников в период с 1960-х по 1980-е годы.Но она также боролась с этой линией — отход от тщательного анализа и документации, еще одной характерной черты работы «Коллективных действий», и попытка раскрыть относительно закрытые концептуалистические круги . Как поясняет Алексеев: «Встречи в студии Кабакова были очень тихими, интеллектуальными, не всем разрешалось приходить — это было очень интеллектуально. АПТАРТ больше походил на ночной клуб ».

За недолгое время существования АПТАРТА было проведено около десяти анти-шоу, а также акций и перформансов.На первом шоу маленькое жилое пространство Алексеева было разделено пополам транспарантами и драпировками, работы заполняли каждую доступную поверхность (он спал в надувной лодке, поскольку в кровати не было места) и покрывали стены и потолок. Были груды текстов и литературных предметов — что-то, что можно было прочитать почти повсюду, от книги Алексеева «« Я не люблю современное искусство »» до книжных предметов Николая Паниткова, но не было четкого повествования, которое можно было бы различить, без сообщения или особой позиции. TOTART Моя последняя работа: Я работаю руководителем… , показанное как книжное произведение, ретроспективно объявляет дневную работу автора искусством, а их работа Стул не для вас, стул для всех (1982) — стул с этим текстом — предполагает десублимацию и коллективизацию объектно-ориентированных заявлений концептуализма (стул — это просто стул, которым может пользоваться любой, хотя его ярлык, его вид искусства все же предполагает своего рода запрет). Мухоморы полностью выкупили у Алексеева холодильник марки «Север» для создания романа.Его эпиграф и титульный лист нарисованы на двери, в то время как внутренняя часть была зарезервирована для сюжетов и внутренних монологов главных героев, написанных и помещенных в коробки, в то время как объекты, цвета и изображения структурируют другие аспекты сюжета. Сам роман сосредоточен на «необычайно уютной квартирке» внутри памятника крупному сражению в русско-турецкой войне.

Как и его окружение, Роман-Холодильник находился в постоянном движении — люди добавляли и вычитали из него, Алексеев продолжал использовать его для еды, и, наконец, КГБ конфисковало большую часть текстовых компонентов во время рейда в квартире.То, что осталось от произведения, теперь хранится за стеклом в Государственном Третьяковском музее, приписываемое одному Константину Звездочетову, который видит его в этом оскверненном состоянии как своего рода сакральный артефакт, смесь частичных надписей и изображений — реликвию более или менее менее неразборчивое время. Вместо разделения «искусство-жизнь» судьба Novel-Refrigerator предполагает анти-шоу как своего рода музеологический активизм, живое сохранение произведений искусства, артефактов, предметов и идей в их «живых» состояниях — местах. использования, обсуждения, ритуала, собрания.

Есть несколько парадоксов, которые нужно раскрыть; как отметил Гундлах о первом спектакле, «внимание сосредоточилось на самой работе, которая была проще, эмоциональнее и, после отмены комментариев, более парадоксальной». Проекты APTART были коллективными, социально ориентированными, во внутреннем пространстве (пространство, которое в России было подвергнуто принудительной коллективизации после 1932 года, политика, которая к 1980-м годам была обращена вспять), но московские художники скептически относились к любому виду коллективизма. мышление.Их действия были «публичными», но более или менее закрытыми и в отсутствие публичной сферы. В их случае «неохотная необходимость» (как выразилась Маргарита Тупицына) неофициальных художников, делящихся произведениями искусства между своими коллегами в частном порядке, вне официальной инфраструктуры, была переделана в знак иронической гордости.

Анти-шоу также были заведомо аполитичными или даже антиполитическими. По словам Алексеева и других, оставаться вне поля политики было не просто прагматизмом, а художественным решением: цель состояла только в том, чтобы существовать в допустимых рамках системы (в том смысле, что специально не запрещалось объявлять квартиру квартирой). галерею и направьте открытое приглашение к посещению).Несмотря на такие усилия, власти политизировали АПТАРТ. В письме к друзьям в Нью-Йорк Алексеев написал:

С глубоким сожалением сообщаю вам, что АПТАРТ прекратил свое существование 15 февраля 1983 года. Рано утром того дня сотрудники «известной» организации пришли с ордером на обыск и разгромили выставку [Виктора] Скерсиса. и [Вадим] Захаров конфисковали некоторые работы вместе с другими материалами, которые никоим образом не были антисоветскими. В тот же день в квартире Михаила Рошаля был произведен обыск, а его работы и работы Мухоморов были конфискованы.Из замечаний «сотрудников» было ясно, что они склонны трактовать все произведения если не как антисоветские, то порнографические или и то, и другое… Скорее всего, это сигнализирует о начале новой кампании по полному искоренению нового искусства. Если это правда, это ужасно. Что будет дальше — неясно, но ожидать чего-то хорошего нереально. Похоже, мы стали для них бельмом на глазу с тех пор, как они серьезно предупредили нас еще в сентябре … Я пока не пытаюсь «похоронить» себя и своих друзей, но атмосфера здесь довольно ужасная.

АПТАРТ фактически продолжался еще год или около того после этого, и подошел к концу за год до прихода к власти Горбачева в 1985 году. С этого момента культурный ландшафт начал медленную трансформацию. Нонконформистская художественная деятельность и возможности проведения выставок расширились по мере того, как художники стали более широко экспериментировать с форматом выставок. (Например, выставка в Сандуновской бане, организованная Иосифом Бакштейном и Гией Абрамишвили.) Случайно или по исторической необходимости АПТАРТ был одной из последних неофициальных квартирных выставок в «закрытые» советские времена.

Большая часть их «квартирного искусства» даже не происходила в квартирах. После вмешательства КГБ действия АПТАРТА вышли на улицу . Тесный максимализм квартиры Алексеева открывался в русский пейзаж. Подобно тому, как предыдущий набор работ был задуман для квартир, этот набор работ был задуман для показа на пленэре, но не для преобразования менее культурного пространства в более культурное или для конкуренции с масштабами открытого пространства (Россия, шестая часть суши — это в основном за пределами города): «Мы намеренно разбросали наши работы на большом пространстве, чтобы они не выделялись и не разрушали особую красоту этого места.Для одного из мероприятий Мануэль Алькайде построил «Русскую пальму» на широком открытом поле, ярко контрастировавшую с окружающими хвойными деревьями, — «легкий тропический оттенок, вдохновленный русскими народными узорами» и «подарок природе этой страны».

Дело было также в веселости и в некотором роде глубокой общительности. Собрание на открытом воздухе было «Вудстоком», и в целом «шоу никогда не были шоу… самым важным было собраться на этой крошечной кухне, поговорить и выпить… пообщаться», — как сказал Виктор Скерсис, один из центральных участников APTART. , объясняет:

Эти небольшие собрания — самые важные организации в искусстве… идеи исходят от отдельных людей, а в групповых формациях у них больше шансов на выживание — они переходят от одного разума к другому, комбинируя, развивая информацию, более широкий контекст.Так и произошло в АПТАРТ.

Акция 1975 года, организованная ранее группой Скерсиса «Гнедзо» (Гнездо) (с Михаилом Рошалем и Геннадием Донским), вовлекла художников в строительство гнезда в центре официального выставочного пространства — Зала культуры на ВДНХ — которые они населяли, окруженные табличками с надписью «Тихо! Идет эксперимент! » На фотографии изображены задумчивые молодые художники, которые читают и гуляют с маленьким ребенком на груде листьев и палочек.Гнездо стало местом, где посетители могли задержаться, поболтать или поесть. В рамках официально санкционированной выставки «неофициального» искусства (после двух важных неофициальных публичных выставок, известных как «Бульдозер» и «Измайлово» в прошлом году), акция была оформлена как ироничный комментарий к социалистической экономике — возможно, почувствовав это, гнездо было окончательно разрушено Министерством культуры. Но при этом упускается из виду функция инкубационных яиц ! как щедрое и плодотворное общественное пространство, недолговечный сквот в официальной среде.

Советская коммуналка ( коммуналка ) была шифром для других инсталляций, произведенных в Москве в 1980-х годах — инсталляций Кабакова, таких как Человек, улетевший в космос из своей комнаты (1985) или Комнаты Ирены Наховой (1983–1998). 87) серия. Параллельно с этим анти-шоу APTART добавили концептуальную основу к давней практике квартирных выставок: они признали условия, в которых они жили, как материал для их искусства. Кабаков писал о посещении первой выставки APTART, рассматривая ее не как продукт своих более молодых московских современников, а как создание какого-то другого воображаемого автора-персонажа, некой неизвестной множественной личности.(Читая этот текст, также можно увидеть, как Кабаков узнает свои собственные идеи, отраженные в нем, трансформированные в этой квартире — инсталляции Кабакова на основе персонажей начались в следующем году.) Но в отличие от инсталляций Кабакова или Наховой или намного раньше. Примеры, такие как квартирная инсталляция 1972 года Комара и Меламида, чьи работы были относительно удобочитаемы для посторонних с точки зрения их необычного видения, APTART более плотный и противоречивый в своем скоплении идей.«Рожденные в частных квартирах, частные руководители», — тем не менее, это было «коллективное кураторство — кураторство коллективно, а также курирование как выражение группы», — объясняет другой участник APTART Юрий Альберт. И со специфической сценографией: кровать в центре; роман-холодильник; кухонная мойка; ТЕЛЕВИДЕНИЕ.

Абалакова-Жигалов явно связывает коллективные действия русского авангарда на противоположном конце советской эпохи:

Несомненно, это было ХУДОЖЕСТВЕННОЕ ДВИЖЕНИЕ — возможно, первое в ХХ веке со времен русского АВАНГАРДА.Под «движением» я (мы) понимаю некую особую историческую ситуацию, которая делает группу художников с разными личными интересами неким нераздельным социальным телом — единым целым.

В то же время различные задействованные групповые образования — ТОТАРТ, С / З, Мухоморы, Коллективные Действия, Перцы — совершенно не были «предрасположены к какому-либо проявлению коллективности, сама идея которой оскверняется официальными властями». пропаганда ». В советских условиях язык коллективного производства был циничным и подозрительным.Это был своего рода антиколлективный коллективизм. (И ни в коем случае не единые: для Алексеева они тоже не составляли движения, «кроме как в очень общем смысле».)

Против чего были антишоу? Доминирующая система официального искусства — наиболее очевидный, но не единственный ответ. В той мере, в какой они были «против» этой системы, они также были «за» своего рода анархическую, «низкокультурную», мусорную эстетику в явной оппозиции к элитарной «высокой культуре», существующей за пределами СССР.Вадим Захаров, еще один ключевой участник APTART, вспоминает, что «когда мы начинали делать выставки в квартирах или студиях, мы никогда не [собирались] делать выставки — основная идея заключалась в том, чтобы представить работы и концепцию», добавив, что категория «шоу» »Не использовался, как это было в западной традиции. Но если перевернуть анализ Захарова с ног на голову, то «представление работ и концепции» звучит как выставка; тогда как АПТАРТ можно понимать как анти-шоу — где «шоу» (коммерция, поверхностность, зрелище) соотносится с доминирующими формами показа на тогдашнем Западе.

Есть и другие проблемы с западными категориями. Невозможно принять ни идею о том, что домашнее пространство — это частное пространство, ни дихотомия между общественным и частным. «Отождествление дома или жилища с царством частной жизни — относительно недавняя западная конструкция. Исторически и географически это не может считаться само собой разумеющимся в контексте социализма ». Идея аудитории тоже была для художников сродни фантомной конечности (если следовать одной из метафор Альберта).Цель возникающей области выставочных исследований — сместить исторический фокус с какого-то момента художественного «творчества» на то, чтобы искусство стало публичным, на многочисленные и разнообразные коллективные образования (институты, аудитории, публикации, дискурсы), которые производят то, что мы узнаем. как искусство. Но полученные идеи выставок, публики и публики могут быть здесь не особенно актуальны. Закрытые обстоятельства обеспечивали высокую степень связи — сродни двум телевизорам, обращенным друг к другу в одном углу квартиры Алексеева (Михаил Рошаль, Art for Art’s Sake, ), –, недоступным для тех, кто находится за пределами его сети.

После перестройки будет сознательная попытка связать АПТАРТ с его «внешней стороной». APTART International (APTART INT), отдельный проект Константина Звездочетова и других, относился к истории квартирных выставок в более широком смысле. Пытаясь возродить «андеграундную эру» во время быстрой коммерциализации русской арт-сцены начала 90-х годов, Звездочетов, Елена Кюрляндцева и Виктор Мизиано пригласили художников, включая Октавиана Трауттмансдорфа, Франца Веста, Харалампи Орощакова и Хеймо Зобернига, для создания выставок. в съемной квартире на Ленинском проспекте, 12, Москва.Самым известным из них было посольство NSK IRWIN: повторяя идею «квартирного искусства» как «национальности», квартира стала базой для «государства NSK», украшенного гербом и государственным флагом, населенного персоналом NSK и используется для публичных бесед с приезжими критиками и художниками. Как показал APTART INT, а также в таких исследовательских проектах, как «Параллельные хронологии» или недавняя выставка в Muzeum Sztuki в Лодзи «Заметки из подполья: искусство и альтернативная музыка в Восточной Европе 1968–1994», подчеркивается, что мириады микрокультуры этой эпохи происходили далеко за пределами центров глобальной власти и далеко за пределами их доминирующих нарративов, очень часто в более скромных, ориентированных на общение, трансгрессивных или антисистемных направлениях.

Сегодня есть чему поучиться у таких группировок: художники, работающие вне рыночных отношений, в более или менее закрытой системе, тем более в системе, находящейся в кризисе? Хотя АПТАРТ произошел в начале распада СССР, конца в то время не было видно; «Очень бедный, серый, без надежды, без будущего», как характеризует его Альберт. А не «открытость» и Ускорение («ускорение») при Горбачеве, APTART точно совпал с двухлетним сроком пребывания в должности Юрия Андропова — бывшего главы КГБ, известного своей ведущей ролью в насильственном подавлении Венгерской революции 1956 года и Пражская весна, пришедшая на смену после смерти Брежнева в 1982 году.АПТАРТ был обходом доминирующей системы в момент застоя, которому не было видно конца — прямо перед ее внезапным крахом.

Как размышляет Алексеев, «вы могли быть частью [системы искусства], но вы должны были принять ее правила, а это нас не интересовало». Что было бы современным эквивалентом «официального искусства» по отношению к сегодняшней художественной системе? То, что известно как «современное искусство», похоже, не подчиняется какой-либо одной программе и обычно не сталкивается с особыми ограничениями (с важными местными вариациями), за исключением, возможно, «искусства, которое выглядит как искусство».«Нарушение его внутренних« правил »обычно является преимуществом. Вместо ценных предметов, которые можно найти в сегодняшнем обширном комплексе галерей, музеев, художественных ярмарок, аукционных домов и морских бункеров для хранения вещей, «официальное искусство» можно было бы более точно охарактеризовать как целый комплекс вещей, узнаваемых как «искусство»: дискурсивное и перформативные проекты, паразитарные, параинституциональные и образовательные практики, школы, семинары, мероприятия и выставки, а также люди, которые их посещают, думают и говорят о них.Оппозиция этому миру, наши современные «анти-шоу», может быть легче локализована в конфликтах на его краях, особенно в тех, которые говорят о продолжающемся структурном насилии. Например, закрытие арт-пространств по инициативе местных сообществ, будь то из-за их использования в качестве фашистских мест встреч или — что более уместно для обсуждения квартирных практик — из-за их функции джентрификации. С другой стороны, большая часть неофициального искусства не была прямо антагонистической, а скорее была способом работы с ограничениями системы и внутри них.«Можно работать без общественности, государства, музеев, рынка, и, если вам повезет, вы сможете распознать это как материал для своего искусства», — объясняет Альберт. «Но это очень сложно».

Со своей стороны, когда Мануэль Алькайде вернулся на Кубу в 1984 году, он обнаружил отголоски московских tertulias в коллективном творчестве молодого поколения художников. Grupo Puré, Grupo Provisional, Arte Calle и другие группы по-разному игнорировали, уклонялись или противостояли зарождающейся государственной политике. По словам Алькайда, они были «поколением, которое продемонстрировало видение, которое было менее народным и более универсальным, которое также стало более осознавать свою социальную роль и критический потенциал.Приехав в Нью-Йорк в 1984 году, Скерсис обнаружил схожую энергию в сквотах Ист-Виллидж, в местах для активистов, таких как ABC No Rio, и на выставках DIY, таких как «Times Square Show». Альберт проводит сравнение между советским контекстом и Латинской Америкой, что также наводит на мысль о параллелях с такими группами, как Grupo Chaclacayo (GC). Созданная примерно в 1982–83 годах Раулем Авельянедой, Гельмутом Псотта и Серджио Зеваллосалсо, GC устраивала коллективные артистические нарушения в домашнем пространстве арендованного дома на окраине Лимы.«Шокирующий сарказм, сексуальное неповиновение, воинственные заявления и мусорная эстетика», которые Мигель Лопес приписывает формирующейся в городе анархо-панковой, экспериментальной и самодельной культурной среде, а также его амбивалентность и антагонизм по отношению к сложившимся социалистическим партиям и их приверженность к ним. более молодые культурные левые в контексте государственного насилия и преследований могут быть в равной степени применены к APTART. Конечно, между Лимой и Москвой есть разрывы, как между Москвой и Нью-Йорком (более частое сравнение), или Москвой и другими местами в Восточном блоке, или даже Москвой и Москвой в их официальном и неофициальном обличье.Но, как отмечает Алексеев: «все происходит одновременно».

Вадим Захаров продолжил организовывать квартирные выставки как часть художественной практики, которая самоорганизуется на разных уровнях (в качестве критика, архива, куратора, историка, галереи и т. Д.). Даже если условия организации квартиры в Берлине 2010-х несопоставимы с Москвой 1980-х, для Захарова это все еще «может быть, немного в оппозиции к системе искусства», позволяя художникам занять более активную позицию. Работать от художника к художнику, делать все сам, работать без индивидуального подхода и держаться подальше от продаж — вот те виды свободы, которые можно извлечь из микрокультуры Москвы 80-х.Захаров пишет:

Когда я говорю со студентами в России [об этом периоде], они всегда говорят: «Есть одна вещь, которую мы не понимаем — ваши работы выглядят свободными, а не так, как будто они были созданы в клетке». Я хочу сказать, что художественная система не желает принимать свободу художников. Может быть, это будет странно говорить с моей стороны, для вас, но слишком много свободы в позициях художников сегодня нежизнеспособны.

Текст, рекламирующий публичную дискуссию с Алексеевым в Музее современного искусства «Гараж» — музее в Парке Горького, основанном на личных богатствах и художественных коллекциях Романа Абрамовича и Даши Жуковой, — пишет, что APTART «теперь считается первым русским частная картинная галерея.«Здесь APTART предстает предшественником предпринимательской культуры галерей стартапов в странах с растущей экономикой, где культурные образования могут возникать только в ожидании будущей коммерческой инфраструктуры. Но для Алексеева, который говорил со мной в этом году, важность APTART заключалась как раз в уходе от доминирующих условий: «маленькое пространство, где мы могли бы работать, функционировать и общаться… параллельный мир».

Говоря сегодня, художники по-разному понимают концепцию анти-шоу.Как отмечает Алексеев: «Возможно, это было« анти »в отношении официальных выставок, но я предпочел бы« параллель ». Это представление о том, чтобы быть вне официальной вселенной, существовать в нашей параллельной реальности, было более важным, чем просто быть против». Альберт более вопрошающий:

Анти что за показывает? Мы были абсолютно безразличны к официальным выставкам… [и] не было выставок современного искусства, к которым мы могли бы быть «против». Может быть, старшее поколение выступало против квартирных выставок, но это было противодействие в очень узком кругу.

В отношении своей собственной практики Альберт предлагает вместо этого термин «мета-шоу». (Современное перевоплощение Вальтера Беньямина, впервые появившегося в Любляне в 1986 году, и Виктора Скерсиса также недавно теоретизировали вариантные формы «мета-искусства».) А для Абалаковой и Жигалова это связано с тем, что

пространство квартиры стало динамичным, интерактивным, диалогическим или даже полилогическим. Благодаря спонтанному подходу к инсталляции материала (который был преимущественно по существу несущественным) эта «минигалерея» оказалась экспериментальной площадкой, где публике предлагались новые формы выражения — взаимное обогащение «узлов» и «крупинок».И все работало нормально на всех уровнях — инсталляционно, перформативно — безумное чаепитие с текстами, предметами, рисунками, фотографиями и т. Д. Вот что мы (TOTART — Total Art Action) подразумевали под «анти-шоу» с акцентом на новой форме. (его скрытая радикальная нематериальность).

Дело не в том, что идея «анти-шоу» разрушает старые противопоставления публичного-частного, художественной жизни, автономии-неавтономии (как можно было бы сказать о симпатических практиках в других странах мира) — скорее, это Анти-шоу возникают в ситуации, когда такие двоичные файлы значат мало: как концептуальные рамки они бесполезны и, возможно, даже вводят в заблуждение.Таким образом, «анти-шоу» описывает явление с точки зрения того, на что оно похоже, но на что не похоже; вещь, ожидающая более точного концептуального языка. То же самое и в случае коллективизма и антиколлективизма: возможно, есть лучшие способы подумать о глубокой взаимозависимости, разговоре и сотрудничестве, которые влечет за собой искусство; возможно, APTART лучше понять через методологию дружбы, «совместной работы» или «пакта о ненападении и взаимопомощи» (как выразились Абалакова и Жигалов). Скерсис специально не вспоминает термин «анти-шоу», но для него

ситуация была данностью без сожаления.И теперь я ясно вижу, что наше проклятие было благословением. То, что было сделано в APTART, не могло быть сделано в официальном или коммерческом пространстве … Цель выставки в западной галерее — прежде всего показать публике завершенные работы художника. Поистине, это очень архаичная ситуация, когда произведения искусства транслируют сохраненные послания патриархального деятеля за кулисами общине. С другой стороны, в сплоченном сообществе, каким был APTART, целью шоу было собрать коллектив и обсудить общую тему, что сделало APTART больше похожим на лабораторию, чем на музей.

Как движение или как галерея, если это можно назвать тем и другим, это было сооружение; его «публика» была саморефлексивной, фантазией или призрачной конечностью — даже ее продюсеры иногда были вымышленными. Это произошло в конце чего-то, а не в начале — кульминации социалистических квартирных практик, а не инаугурации. Это как конструкция, вымысел или, возможно, модель, в которой анти-шоу получают свое внимание — «прото-институт» от художника к художнику; Как и в большинстве случаев московского концептуализма, как выразился Альберт, функция заключалась в создании моделей.Созданная APTART модель была подвижной, нестабильной и находящейся под постоянной угрозой, созданной через сложные формы межпоколенческой социальности и сожительства (как с людьми, так и с объектами) в ситуации, когда мир коммерческого искусства был неуместной, далекой фикцией. Для Мануэля Алькайда «это было путешествие в будущее» — будущее, которое сегодня все еще кажется далеким.

Знаковых работ британского уличного художника Бэнкси на выставке в Тверском городском музее под Москвой

Восемь знаковых работ британского уличного художника Бэнкси, в том числе скульптура из провокационной выставки Dismaland 2015 года, выставлены в одном из российских музеев. .

На выставке в Тверском городском музейно-выставочном центре к северо-западу от Москвы также есть подписанный принт «Любовь витает в воздухе», одно из самых известных изображений Бэнкси, на котором изображен человек в маске, готовый бросить в небо букет цветов.

Работы художника из Бристоля, Англия, настоящее имя и личность которого хранились в строжайшем секрете в течение 30 лет, теперь продаются на аукционах за миллионы евро.

Рекорд был побит ранее в этом году, когда работа в честь британской службы здравоохранения «Game Changer» была продана за 16 фунтов стерлингов.8 млн (19,6 млн евро) на Christie’s в Лондоне.

Елизавета Максимова из музея рассказала журналистам: «Есть сертификаты на экспонаты, подтверждающие их подлинность и подписанные Бэнкси.

» Одна работа уникальна, это скульптура, которая попала к нам первой. Камень был куплен в Дисмаланде; это Диснейленд наоборот ».

« Дисмаленд »был намеренно жалкой пародией на тематические парки Диснея, которые представители публики могли посещать на приморском курорте Уэстон-сьюпер-Мэр в Сомерсете, Англия.

При закрытии проекта проект был разобран, а его части распроданы. Некоторое количество дерева и фурнитуры из «парка развлечений», в котором также была модель лодки с беженцами, были отправлены в Кале для использования в качестве убежищ для лиц, ищущих убежища.

У Бэнкси есть компания Pest Control, которая проверяет подлинность подлинных работ из-за огромного количества копий и поддельных подписанных отпечатков.

Помимо самого «императора стрит-арта», по словам Максимовой, выставка «посвящена стрит-арту, современным художникам… Этой выставкой мы хотим показать современное уличное искусство таким, какое оно есть сейчас ».

На выставке также представлены работы Катерины Виноградовой из Лондона, Лю Вэй из Пекина, Vf из Москвы и группы« Добро »из Санкт-Петербурга. открылся во вторник и продлится до 17 октября.

Галерея русского искусства | Investment Art

При посещении — Ремесленники в амбаре Дамен