Художник заказ: Услуги художника в Москве — найти и недорого нанять услуги профессионального художника, дизайнера в Москве и Московской области — Программирование на Python и Objective-C в Mac OS

Содержание

Художники и цены

Выбрать творческое объединениеОбщество поощрения художниковМосковское общество любителей художествСанкт-петербургская артель художниковАртель П.А.КрестоносцеваТоварищество передвижных художественных выставокОбщество русских аквафортистовОбщество выставок художественных произведенийОбщество русских акварелистовПервый дамский художественный кружокСанкт-петербургское общество художниковТоварищество южнорусских художниковМосковское товарищество художниковОбщество художников исторической живописиМир искусстваАбрамцевский художественный кружокФалангаНовое общество художниковСоюз русских художниковАлая розаМураваТоварищество художниковВенок — СтефаносГолубая розаСвободная эстетикаВенокОбщина художниковНовое художественное общество МюнхенаОбщество художников им. А. И. КуинджиСоюз молодежиВятский художественный кружокОбщество независимых художниковСиний всадникБубновый валетСвободное творчествоСвободное искусствоИнтимная мастерская живописцев и рисовальщиковОбщество московских художницСоюз семи0,10Еврейское общество поощрения художествСупремусЦех живописцев святого ЛукиПролеткультЗелёная кошкаОбщество молодых художниковУтвердители нового искусстваЗОРВЕДВсадникЧервонная тройкаМаковецНовое общество живописцевБытиеМетодХудожественное общество им. К.К.КостандиЛевый фронт искусстваАссоциация художников революционной РоссииАмаравеллаЖар-ЦветАссоциация новых архитекторовКонкретивистыМосковские живописцыОбщество художников им. И.Е.Репина4 искусстваАртель древней живописиОбъединенное искусствоИСТРОбщество станковистовОбъединение молодежи Ассоциации художников революционной РоссииОбщество русских скульпторовМастера аналитического искусстваОбъединение современных архитекторовПуть живописиЦех живописцевНовая СибирьКруг художниковМастера нового ВостокаОбъединение художников-реалистовОбщество московских художниковГруппа живописно-пластического реализмаРОСТОктябрьМосковская ассоциация художников-декораторов13Цех художниковИзобригада

Наличие индикаторов инвестиционного риска^*

НеважноС индикаторами рискаБез индикаторов рискаНизкий рискСредний рискВысокий риск

Выбрать аукционный дом^*

Дата аукциона^*:

День12345678910111213141516171819202122232425262728293031

МесяцЯнварьФевральМартАпрельМайИюньИюльАвгустСентябрьОктябрьНоябрьДекабрь

Год2000200120022003200420052006200720082009201020112012201320142015201620172018201920202021

Воронежцы увидят картины известных советских художников — Российская газета

Рыбаки на Балтике, шахтеры на севере Таджикистана, инженеры, тувинские оленеводы и юная Кристина Орбакайте — палитру жизни Союза между «оттепелью» и перестройкой показали в Воронеже на выставке «Назад в СССР». Наряду с работами официальных, обласканных властью авторов здесь есть и образцы «умеренного» андеграунда.

Ядро экспозиции — полотна из фондов Государственного музейно-выставочного центра «Росизо». Оттуда прибыло полсотни произведений живописи и графики. Часть из них была в мае показана в Москве в рамках проекта «Соцреализм. Метаморфозы» в Новой Третьяковке на Крымском валу. Часть еще не экспонировалась и после выставки в Воронеже переедет в зал «Росизо» в Петроверигском переулке.

— Большинство этих картин поступило к нам не так давно. Они принадлежали Международной конфедерации союзов художников — правопреемницы Союза художников СССР. В 2017-м она прекратила существование, и с 2019 по 2021 годы огромную коллекцию по приказу минкультуры распределили между музеями России, включая наш, — рассказала хранитель фонда сектора живописи «Росизо» Юлия Логвинова. — Условия хранения картин были неидеальны, из-за перепадов температуры и влажности красочный слой потрескался. Благодаря самоотверженному труду наших реставраторов 26 картин удалось привести в хорошее состояние, и мы рады представить их воронежцам вместе с 19 листами графики.

Конец 1960-х — начало 1980-х годов принято называть эпохой застоя. Ощущение тупика, «топтания на месте» волновало тогда и деятелей искусства. Самые смелые, несмотря на обидную критику, искали новый пластический язык — постепенно расширяя границы дозволенного для тех мастеров, которые не поддерживали идеологию власти, но и не уходили в оппозицию Союзу художников. Ценой упрямства для авторов могла быть невозможность брать заказы, получать краски, холсты и подрамники.

Информации о том, как развивалось искусство за рубежом, у тогдашних живописцев было немного. Но каждый полученный из Европы журнал или альбом с репродукциями изучали досконально, делясь находками с коллегами. Приемы старых мастеров, опыт импрессионистов и авангардистов — в поисках своего пути художники пробовали работать в разных направлениях и стилях. Чиновники этих поисков зачастую не одобряли. Известна реакция Хрущева на абстракции в Манеже в 1962-м, «бульдозерная выставка» нонконформистов в 1974-м.

В Воронеж привезли произведения «официальных» авторов («Рыбаки Псковского озера» Петра Оссовского, «Гражданская война» Юрия Королева) и традиционалистов («Мальчишки» Александра Грицая, «В мастерской. Весна» Юрия Кугача), мастеров московской школы, представителей неоакадемизма, фотореализма и других течений. Совсем «подпольных», скандальных работ тут нет. Все экспонаты были в свое время закуплены государством через экспертные комиссии. Но в целом по ним можно судить о развитии советской живописи.

— Происходил плавный переход от соцреализма, когда художники творили в едином порыве и едином стиле, к экспериментам «оттепели». Мы можем проследить это развитие, двигаясь от картины к картине. В начале — полотна 1964 года: «Индустриальный пейзаж» азербайджанского художника Надира Абдурахманова воспевает социалистическую стройку, а «Отделочницы Трехгорки» Аарона Априля — уже ставит в центр будни простых людей. Безымянные сотрудницы фабрики заняты работой, не обращают внимания на художника. Красоту момента подчеркивают яркие плоскости красной материи, — отметила Юлия Логвинова. — А дальше — гиперреалистичная картина «Сегодня в мире» (1983) Никиты Мешкова, концептуальный сюрреализм «Рыбы» из цикла «Старый завод» (1984) Владимира Блинова, метафизический реализм Натальи Нестеровой и Олега Вуколова, которые «лепили» краской скульптурные мазки и создавали обобщенные образы…

Одна из картин на выставке принадлежит кисти известного мастера «сурового стиля» Таира Салахова. Его «Апшеронский интерьер» (1981) — лаконичный натюрморт, фрукты на фоне южного пейзажа. Художник нашел глубину в бытовом сюжете и простых формах.

Авторов из Средней Азии отличают насыщенные цвета, которые занимают большие плоскости, ориентация на народное декоративно-прикладное искусство. Кавказские художники тяготели к мелким деталям, поэтическому взгляду на мир. Прибалтов можно узнать по простой, спокойной цветовой гамме, «морским» сюжетам и некоторой монументальности, объяснила Юлия Логвинова:

— Это проявилось даже в графике. Индулис Зариньш в акварели «Рейс 307» рисует зал аэропорта с огромными панорамными окнами и видом на поле с самолетами. Незамысловатый сюжет с починкой сетей у Альбины Акиртас выглядит так, что его легко представить на стене в виде фрески.

Выставка продлится до 5 сентября 2021 года по адресу: Воронеж, проспект Революции, 18 (музей имени И. Крамского). Телефон для справок: (473) 255-28-43.

Page not found — Portrait.pro

Unfortunately the page you’re looking doesn’t exist (anymore) or there was an error in the link you followed or typed. This way to the home page.

Blog

11/14/2017 — Арт блок
10/07/2017 — Я рисую лучше всех
08/20/2017 — Почему нельзя рисовать с фото? Чем плохи группы, где критикуют рисунки
05/16/2017 — Авторская серия портретов цветными карандашами «Ведьмы»
04/16/2017 — Почему мои портреты никому не нравятся? Самые главные ошибки начинающих
04/04/2017 — Как подготовить рисунки для портфолио или публикации в интернете?
02/03/2017 — Гиперреализм — это трата времени или искусство?
01/13/2017 — Почему я не присылаю фото этапов работы заказчику?
01/07/2017 — Цветные карандаши Faber-Castell «Polychromos», стартовая палитра
01/07/2017 — Сайт для художника. Как сделать сайт самому?
10/24/2016 — Как выбрать хорошую фотографию для портрета? Какие проблемы могут возникнуть при выборе, почему фото из Инстаграм не подходят?
09/02/2016 — Как я менялась в течении 5 лет
08/03/2016 — Когда друзья просят портрет
04/09/2016 — Художник без души
03/20/2016 — Плагиат портфолио художника
02/28/2016 — Новый портрет цветными карандашами Faber-Castell Polychromos
02/10/2016 — Обучение живописи «картина за час». Правда или обман?
01/03/2016 — Нужно ли художнику образование?
11/11/2015 — Можно ли публиковать портрет в портфолио без разрешения заказчика. Авторское право
08/18/2015 — Испанец-хохотун рассказывает о том, как заказчица отказалась от портрета
07/14/2015 — Почему моя работа стоит денег
06/05/2015 — Страх негативного мнения. Как начать продавать свои работы
04/15/2015 — Предложение о сотрудничестве
03/29/2015 — Ход работы над автопортретом в карандаше
03/18/2015 — Художники -друзья или конкуренты?
02/08/2015 — Видеоблог. Дождались!
02/03/2015 — Курьерская доставка по городу или самовывоз? Мое решение вопроса
02/01/2015 — «Одноклассники». Возможно ли там найти заказчика?
01/19/2015 — Что нужно начинающему художнику-портретисту Часть 3: Правила
12/09/2014 — Удельный рынок — вдохновение для художника
12/02/2014 — Non/fictio№16
11/26/2014 — Что нужно начинающему художнику-портретисту. Часть.2: От теории к созданию портфолио
11/25/2014 — Что нужно начинающему художнику-портретисту Часть 1: Материалы
11/19/2014 — Если у заказчика нет цифрового фото для портрета
11/14/2014 — За что я ненавижу художников
09/11/2014 — Бесплатные портреты
07/21/2014 — «Покажи свою работу!» Остина Клеона — мое мнение о книге
07/14/2014 — Если ты художник, найди заказчика или сделай так, чтобы заказчик нашел тебя.
06/17/2014 — Топ самых худших подарков по версии PortraitPro
06/10/2014 — Влада отвечает на вопросы
06/04/2014 — Визитки
05/06/2014 — Где найти заказчика художнику-портретисту
05/01/2014 — Снова с вами
04/15/2014 — Художник в отпуске!
04/08/2014 — О чем говорить с художниками?
04/01/2014 — «Чтоб выглядело, что это я нарисовал!…»
03/25/2014 — Сколько стоит портрет на заказ? Как правильно установить цену?
03/18/2014 — Новое оформление портретов!
03/12/2014 — Что делать, если портрет не понравился
02/18/2014 — О том, как отправлять портреты по почте
01/28/2014 — Типичные манипуляции с которыми сталкивается художник, часть 2
01/23/2014 — Типичные манипуляции с которыми сталкивается художник, часть 1
01/07/2014 — Художник, будь бдителен!
12/31/2013 — Поздравляю!
12/24/2013 — Мой самый странный новогодний заказ
12/19/2013 — Новгодние заказы!
12/11/2013 — Художник не волшебник или 6 причин по которым я отказываюсь от заказов
12/03/2013 — Сапожник без сапог
11/26/2013 — Какие цветные карандаши выбрать для портрета Материалы, которые я использую
11/19/2013 — Стихи на портретах
11/12/2013 — Как выглядят разные форматы портретов и какой формат выбрать
11/07/2013 — Действительно ли художнику необходима предоплата
11/07/2013 — Хорошие новости!
11/01/2013 — Портреты в карандаше на тонированной бумаге
10/15/2013 — Сколько времени тратит на портрет художник
10/01/2013 — Мои «инструменты»
09/24/2013 — Подбор рамки для портрета в карандаше
09/17/2013 — К кому не стоит обращаться с заказом портрета
09/10/2013 — Ура! Блог на сайте!

Заказ портрета профессиональный художник за .

Портрет на заказ от «Арт-Дизайн»

Наша компания «Арт-Дизайн» имеет значительный опыт в художественной живописи, а именно: портретах,пейзажах, натюрмортах и так далее.

Самый бесценный и вечный подарок— портрет по фотографии на заказ. В канун праздника многие думают так: на дорогой подарок у меня нет денег, а лишь бы купить какую-то безделушку не хочется. Поэтому ничего я не буду дарить. Только далеко не в том, сколько стоит подарок, а в том с каким вниманием и заботой он был подобран, с учетом возраста человека, которому предназначен подарок, а также его статуса.

Если мы выбираем подарок для тещи или свекрови, необходимо учесть, что женщины, чьи дети имеют свою семью, требуют особого внимания. Подарки, которые они принимают от невесты и зятя, воспринимаются как знак отношения и внимания к ним. Молодой свекрови можно в подарок выбрать портрет по фотографии , который станет хорошим воспоминанием. Если свекровь в годах, для нее лучше подойдет подарок — портрет по фото на заказ на которой она в молодости и ей это станет приятнее вдвойне, перенестись с портретом в дни своей юности, портрет создаст комфорт и уют и незабываемое воспоминание.

Более детальную и исчерпывающую информацию Вы можете получить на нашем профессиональном художественном сайте: design111.ru. Специалисты <<АРТ-ДИЗАЙН>> имеют огромный профессиональный опыт в художественном искусстве и с удовольствием проконсультируют Вас по любым вопросам, окажут квалифицированную помощь при формировании заказа , подскажут Вам наиболее оптимальный дизайнерский или конструктивный вариант решения Вашей задачи и помогут определиться Вам с материалом. Мы изготавливаем уникальные изделия из разнообразных материалов, по готовым эскизам или по желанию нашего Клиента.

Звоните !

Моб. : 8 918 538 09 49

Или пишите нам на e-mail : [email protected]

Левицкий Дмитрий Григорьевич — биография художника, личная жизнь, картины

В детстве Дмитрий Левицкий учился рисовать под руководством своего отца — гравера Григория Левицкого. Прославился художник уже в 1770-х благодаря портретам государственных чиновников и дворян из Петербурга. Левицкий написал известную картину «Екатерина-Законодательница в храме богини Правосудия», которую много раз потом копировал для современников, и серию «Смолянок» — портреты лучших учениц Воспитательного общества благородных девиц при Смольном монастыре.

«Господин академик Левицкий»

Дмитрий Левицкий. Портрет архитектора Александра Кокоринова (фрагмент). 1769. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Дмитрий Левицкий. Портрет Прокофия Демидова (фрагмент). 1773. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Дмитрий Левицкий. Портрет откупщика Никифора Сеземова (фрагмент). 1770. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Дмитрий Левицкий родился в 1735 году в Киеве. Его отец Григорий Левицкий происходил из рода запорожских казаков. Он был художником и гравером, работал в Киево-Печерской типографии, а в 1738 году стал священником.

Уже в детстве под руководством отца Дмитрий Левицкий создавал свои первые рисунки. Учил его также живописец Алексей Антропов. Однако Левицкий не подражал его технике.

Искусствовед Нина Молева писала: «Если даже представить себе, что первые из известных нам портретов Левицкого отделяют от антроповского портрета Измайловой (1754) целых пятнадцать лет в них невозможно найти даже самые отдаленные отголоски метода учителя».

В 1758 году Левицкий уехал из Киева в Петербург, где поступил в Академию художеств. Во время учебы он писал на заказ портреты, расписывал православные храмы, в том числе деревянную церковь Рождества Христова на Песках.

В 1762 году Левицкого, по распоряжению правительства, вместе с другими художниками направили в Москву. Живописцы создали панно на триумфальных воротах, которые возвели в городе в честь коронации Екатерины II.

В эти же годы вместе с художником Василием Васильевским Левицкий работал над другим государственным заказом. Он писал иконы для Храма великомученицы Екатерины на Всполье, который в 1760-х отреставрировали по поручению императрицы. Однако Василевский и Левицкий не сразу отдали готовые произведения заказчикам. Художникам долго не платили за их работу, и они требовали полного погашения долга. В приказе Министерства императорского двора писали: «Изготовленных иконостасов и написанных образов подрядчики безденежно не отдают». Иконы поместили в церкви только после оплаты заказа, а освятили храм в присутствии Екатерины II.

В 1768 году Дмитрий Левицкий вернулся в Петербург. Живописец участвовал в выставках Академии художеств. В 1770 году за портрет ректора Александра Кокорина он получил звание академика. В следующем году приказом Совета Академии художеств Левицкого назначили руководителем портретного класса: «Класс портретной препоручить обучать господину академику Левицкому». Им живописец руководил до 1788 года.

«Истинный XVIII век»: известные портреты кисти Дмитрия Левицкого

Дмитрий Левицкий. Портрет Глафиры Алымовой (фрагмент). 1773. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Дмитрий Левицкий. Портрет Екатерины Нелидовой (фрагмент). 1773. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Дмитрий Левицкий. Портрет Натальи Борщовой (фрагмент). 1776. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

В конце 1760-х годов Дмитрий Левицкий стал одним из самых популярных портретистов России. Художник получал заказы как от правительства, так и от дворянских семей Петербурга.

В 1763 году Екатерина II учредила Воспитательный дом — благотворительное образовательное учреждение для сирот. На его строительство деньги пожертвовали горнозаводчик Прокофий Демидов, чиновники Петр Вырубов, Богдан Умский и другие.

В начале 1770-х Президент Академии художеств Иван Бецкой предложил императрице создать картинную галерею с портретами меценатов «с приложением описания их усердия к пользе человечества». Картины заказали у Федора Рокотова, Фридриха Баризьена и Дмитрия Левицкого.

В Опекунскую серию Левицкого вошли портреты Прокофия Демидова, Богда Умского и Никифора Сеземова. Демидова художник написал в образе садовника — на портрете он стоит с лейкой рядом с горшками цветов. Однако на фоне Левицкий изобразил колонны и здание Воспитательного дома. Так живописец соединил традиции парадного и домашнего портретов. Искусствовед Галина Данилова писала: «Художнику удалось создать правдивый образ человека со сложным и противоречивым характером способного быть добрым и расточительным».

В 1773 году в Петербург приехал французский философ и просветитель Дени Дидро. В том же году Левицкий написал его портрет.

«Дидро Левицкого — стареющий усталый человек, болезненно впечатлительный и напряженный во внутреннем неосознанном ожидании тех впечатлений, которые неустанно приносит ему жизнь»

В свою коллекцию портрет Дидро купил ювелир Франсуа Дюваль, который позднее вывез картину в Женеву. Там она находится и сейчас.

Дмитрий Левицкий. Портрет Анны Давиа Бернуцци (фрагмент). 1782. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Дмитрий Левицкий. Портрет Екатерины II в виде законодательницы в храме богини правосудия (фрагмент). 1783. Национальный музей «Киевская картинная галерея», Киев, Украина

Дмитрий Левицкий. Портрет графа Артемия Воронцова (фрагмент). 1780. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

В 1770-х годах Левицкий работал над портретами учениц Воспитательного общества благородных девиц при Смольном монастыре (позднее — Смольный институт благородных девиц). Эту серию картин художника называют «Смолянки». Заказ на нее Левицкий вновь получил от Ивана Бецкого. Над «Смолянками» живописец работал в течение трех лет. Ему позировали лучшие воспитанницы Смольного института, в том числе Екатерина Нелидова, Наталья Борщова и Глафира Алымова. Об этих портретах художник Александр Бенуа позже писал: «Это истинный XVIII век во всем его жеманстве и кокетливой простоте… очаровательная ложь, очаровательная по совершенству и выдержанности всей системы».

Воспитанниц Смольного института Левицкий написал в новом для русской живописи жанре — «портрет в роли». Все «Смолянки» изображены в театральных костюмах на сцене или на фоне декораций. При этом в картинах видны черты реализма. Художник старался точно передать особенности внешности каждой из девушек.

Портреты «Смолянок» по распоряжению Екатерины II поместили в Большом дворце в Петергофе. Оттуда их изъяли после Февральской революции и передали Русскому музею, где они выставлены и сегодня.

В 1783 году Левицкий по заказу канцлера Александра Безбородко написал парадный портрет Екатерины II «Екатерине-Законодательнице в храме богини Правосудия». На картине он изобразил императрицу как справедливую правительницу, которая чтит законы.

«Средина картины представляет внутренность храма богини Правосудия, пред которою, в виде Законодательницы, Ея Императорское Величество, сжигая на алтаре маковые цветы, жертвует драгоценным своим покоем для общего покоя. Вместо обыкновенной императорской короны увенчана она лавровым венцом, украшающим гражданскую корону, возложенную на главе ея».

Портрет стал очень популярен. Левицкий и другие художники несколько раз повторяли его, скульптор Федот Шубин изготовил по нему статую «Екатерина II — законодательница», а поэт Иван Богданович даже посвятил живописцу стихи:

Левицкий! Начертав Российско божество,
Которым седьм морей покоится в отраде,
Твоею кистью ты явил в Петровом граде
Бессмертных красоту и смертных торжество.

Кроме государственных заказов Дмитрий Левицкий выполнял и частные. Он написал портреты членов семьи графа Артемия Воронцова, итальянской певицы Анны Давиа, архитектора Николая Львова и других. Художник Игорь Грабарь писал о картинах Левицкого: «В передаче интимного, неуловимого очарования лица, не блещущего красотой, не выделяющегося оригинальностью, в изображении простого, среднего, незаметного лица — соперников он не знал».

Преподаватель Академии художеств и член масонской ложи

Дмитрий Левицкий. Портрет Анны Протасовой (фрагмент). 1800. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Дмитрий Левицкий. Автопортрет (фрагмент). 1783. Челябинская областная картинная галерея, Челябинск

Дмитрий Левицкий. Портрет Николая Новикова (фрагмент). 1797. Государственная Третьяковская галерея, Москва

В 1786 году Дмитрий Левицкий был избран членом Совета Академии художеств. Теперь он мог не только преподавать, но и менять учебный план, утверждать темы выпускных экзаменов. Среди учеников живописца были Степан Щукин и Андрей Емельянов. В отличие от других педагогов Академии Левицкий позволял своим воспитанникам работать не с манекенами, а с живыми натурщиками. Он требовал от студентов портретного класса «естественности» изображения. Искусствовед Нина Молева писала: «Левицкий не ограничивает ученика ни определенной позой изображенного человека, ни «действием», ни платьем — все предоставляется на усмотрение молодого художника, чтобы он имел возможность найти наиболее «натуральное» решение».

В августе 1789 года Левицкий ушел из Академии художеств из-за конфликта с руководством. Живописцу почти перестали платить деньги за государственные заказы и сократили жалование. Александру Безбородко Левицкий писал: «Все мастеровые и художники получали, а другие получают оплату за труды свои, один только я забыт милостию вашего графского сиятельства. Вот уже четвертый год как я не только не получаю за труды свои, но и за издержки мои никакой уплаты, будучи в самых горьких обстоятельствах при старости моей».

Кроме того, художника обвиняли в «политической неблагонадежности». Он был другом поэтов Василия Капниста и Николая Новикова, которые в своих стихотворениях критиковали политику Екатерины II.

Дмитрий Левицкий не оставил живопись. В 1797 году он написал портрет Новикова. Заказы художник получал и от Александра Лабзина. По его приглашению Левицкий вступил в масонскую ложу «Умирающий сфинкс». Кроме того, в 1807 году Лабзин уговорил живописца вернуться в Академию художеств. Однако портретный класс ему вновь не доверили.

«Левицкий не отказывается от надежды вернуть своему искусству официальное признание, возможность получать заказы и преподавать, друзья — от попыток ему помочь. И все время остается ощущение близкой победы: еще немного, еще один шаг, но снова художник отбрасывается в небытие обстоятельствами государственной жизни, новой проводимой правительством политики, личными расчетами тех, кто только что, казалось, принадлежал к самым верным и надежным друзьям».

Левицкий работал художником до конца жизни, но уже не получал государственные заказы. В 1810-х он рисовал портреты петербургских дворян, в том числе офицера Николая Грибовского, фрейлины Екатерины II Анны Протасовой.

Умер Дмитрий Левицкий 16 апреля 1822 года. Похоронили его на Смоленском кладбище в Петербурге. Могила художника до наших дней не сохранилась.

Идеальный круг Джотто. Рука мастера никогда не подведет

«Ты круглее, чем круг самого Джотто», — так в Тоскане скажут человеку простодушному, воспринимающему все буквально. Откуда взялся этот «круг» и причем здесь Джотто? Ответ стоит поискать у знаменитого биографа художников эпохи Возрождения Джорджо Вазари, пересказавшего нам один из анекдотов того времени. Папа Бонифаций VII, выбирая художника для росписи лоджии в Латеранском дворце в Риме, отправил человека к Джотто, чтобы тот прислал понтифику образец своей работы. Недолго думая художник обмакнул кисть в краску и нарисовал идеально правильный круг без циркуля. Посланец счел этот жест насмешкой, но привез «образец» Бонифацию. Более искушенный в игре со смыслами папа увидел здесь нечто большее, чем просто круг, — руку мастера, которому и доверил заказ.

Об ученичестве Джотто мало что известно, но точно можно сказать, что к 1300 году он уже востребованный мастер. А еще Джотто был, возможно, первым художником, который объехал всю Италию с заказами, работая для римских кардиналов, миланских герцогов, неаполитанских королей и богатых соотечественников.

Именно таким был заказ купца из Падуи Энрико Скровеньи, поручившего Джотто роспись своей домовой церкви, которую тот осуществил в 1303–1305 годах. Когда-то всем тем, кто посещал знаменитую капеллу Скровеньи с фресками художника, выдавали индульгенцию. Сегодня эти росписи считаются вершиной творчества Джотто. Кстати, хранящийся в городском музее Падуи фрагмент росписи — икону Бога Отца — в 2011 году привозили в Эрмитаж. Теперь же она отправилась на выставку Джотто. Италия. Из Ассизи в Милан, которая открывается в палаццо Реале в Милане в начале сентября.

В экспозиции будет 13, зато тщательно отобранных работ мастера, от ранних до самых поздних, приехавших из итальянских и зарубежных музеев. В каждой работе можно найти доказательства того, что перед нами художник Проторенессанса, кропотливо высвобождавший живопись из пут средневековых канонов. Джотто смог превратить двухмерную икону в трехмерную картину, плоские фигуры — в полнокровные человеческие тела, однотипные иконные лики — в характерные лица конкретных людей. Самый ценный экспонат выставки — ранее не покидавший Ватиканскую пинакотеку двусторонний Триптих Стефанески, созданный Джотто около 1320 года по заказу кардинала Стефанески для базилики Святого Петра в Риме. Художник получил за работу огромную по тем временам сумму 2,2 тыс. флоринов. Из ранних флорентийских работ начала 1300-х годов будут знаменитый полиптих из флорентийской церкви Бадиа (хранится в галерее Уффици) и Мадонна с младенцем и двумя ангелами из церкви Сан-Джорджо алла Коста во Флоренции. Из более поздних шедевров Джотто — Болонский полиптих (Пинакотека, Болонья) и Полиптих Барончелли (церковь Санта-Кроче, Флоренция).

Художник Максим Рассказов о скульптурах на заказ, «Галерее Атриум» и домах в старой Самаре

Sgpress.ru пообщался с потомственным скульптором, работы которого горожане видят каждый день.

Максим Рассказов — потомственный художник, молодой мастер, работающий в разных жанрах. Он принял участие в оформлении одного из самых смелых архитектурных проектов в городе — «Галереи Атриум» на пересечении улиц Ленинградской и Молодогвардейской. Здание известно многим за пределами города и страны. Проект состоит из комплекса зданий — итальянской башни, французского, английского и русского домов. Концепцию разработал сам собственник-инвестор. Внутри будет размещаться множество скульптур. Именно к ним приложили руку Рассказов и его отец.

— Максим, знаю, что вы пишете картины и выставляетесь, но сейчас много внимания уделяете именно скульптурам. Чем ни вас так притягивают?

— Я родился в семье скульптора и с детства находился в этой атмосфере – идеи, рисунки, разработки композиций, этапы и тонкости создания скульптур. Получив профессиональное художественное образование, я понял, что по духу я живописец, и стал плотно этим заниматься. Принимал участие во многих городских, областных и региональных выставках. В 2011 году вступил в Союз художников России. Два года назад всерьез занялся скульптурой, начал работать над заказами и помогать отцу с самыми крупными из них.

— Над какими образами вам больше нравится работать? Женскими или мужскими?

— Не имеет значения над какими образами работать – женскими или мужскими, интересны процесс и результат сами по себе. Каждая работа для меня как вызов профессиональным знаниям, способностям и художественному вкусу.

— Реставрация и восстановление утраченных скульптур в Самаре тоже ваших рук дело?

— Реставрацией, восстановлением скульптур и фасадов зданий заниматься пока не доводилось. Этим занимается мой отец Владимир Анатольевич Рассказов. Он вел реставрационные работы фасада технического лицея на улице Рабочей, домик со слонами, фигуры Атлантов на улице Венцека, грифоны на крыше Самарского художественного музея и других объектов.

: Атланты на Венцека. Фото Екатерина Елизарова

— Расскажите про создание работ с нуля. Сложный ли это процесс? В чем он заключается?

— Я принимаю участие в большом проекте по созданию с нуля десяти фигур 3-4 метра в высоту, которые будут украшать фасад здания галереи «Атриум» на улице Ленинградская. Скульптуры будут размещаться на трех его ярусах. Это трудоёмкая работа, над которой, кроме меня трудится еще несколько специалистов во главе с Рассказовым-старшим.

Моей задачей было создание рисунков, эскизов, лепка фигур из пластилина в полный размер. Затем с этих «моделей» всей командой снималась форма. Это многостадийная и сложная работа, в которой, имея огромный опыт, большим профессионалом является мой отец. Далее идёт отливка и доводка. Сегодня проект уже подходит к завершению.

Помимо этого, сам я занимался заказами по созданию интерьерной и парковой скульптур. Это торс Геракла в интерьер ресторана «Будь что будет» на улице Некрасовской, скульптура «Купальщица» в экстерьер загородного дома. Этой зимой шла работа над заказом монументальных бюстов героев Великой Отечественной войны, приуроченного к 75-летию Победы. Я выполнил портрет героя Советского Союза, а затем мы с отцом работали над полноразмерной «моделью» бюста. Проект остался не завершенным из-за сложившейся ситуации с короновирусом.

— Какие городские скульптуры вас вдохновляют?

— Мне нравятся скульптуры средневековой Италии XVI века Микеланджело, работы Огюста Родена, Бурделя, Майоля. Надеюсь, Самара выйдет со временем на этот высокий уровень.

— А как же украшения фасадов на купеческих домах в Самаре?

— В Самаре прекрасно представлен стиль модерн начала XX века. Фасады этих зданий впечатляют. Дома Сурошникова, Курлиной, особняк Шихобаловых, особняк купцов Матвеевых и другие. Больше всего впечатляет внутри и снаружи дом купца Головкина. Люблю дворики старой Самары, где еще сохранились удивительные «приветы» из прошлого нашего города, не отреставрированные к чемпионату.

— Чего не хватает старой Самаре с точки зрения художника и простого человека?

— Старой Самаре не хватает более серьезных вложений в культуру и искусство в целом. Более щадящего отношения к архитектуре прошлого и грамотного подхода к созданию новых построек в старом городе. Нельзя потерять лицо города, его особенную индивидуальность.

— Изменилась ли ваша жизнь из-за пандемии?

— Сложившаяся ситуация в стране, безусловно, наложила отпечаток. Многие проекты заморожены, не закончены, но духом не падаем! Художник без дела не остается, есть ряд отложенных задач, на осмысление и осуществление которых просто освободилось время.

— Могли бы рассказать про новые проекты?

— Идей и проектов всегда хватает и в скульптуре, и в живописи. Заранее о них говорить не стоит, я просто работаю.

Фото личного архива Максима Рассказова.

Хотите продать на Artfinder

Расскажите нам свою историю — Наши клиенты хотят покупать у реального человека. Поэтому убедитесь, что вы рассказываете нам о себе интересным и вдохновляющим образом — мы хотим понять, что делает вас и ваше искусство!
Включите ваше личное присутствие в Интернете, связанное с вашим искусством — Нам необходим персональный веб-сайт, представляющий вашу работу, и / или страницу в instagram или facebook с четким акцентом на ваше искусство, демонстрирующую вашу преданность своему искусству.Все примеры должны демонстрировать способность клиентов покупать ваши произведения искусства и связываться с вами. Поскольку художники сами несут ответственность за выполнение заказов в Artfinder, мы должны доверять вашему предыдущему опыту международных поставок. Обратите внимание, что веб-сайты других торговых площадок не принимаются.
Создавайте высококачественные изображения — мы хотим увидеть ваше искусство в лучшем свете. Это означает хорошее качество, хорошо освещенные изображения без фона и водяных знаков и правильно ориентированные.
Мы принимаем только оригинальные произведения искусства — мы принимаем заявки только на оригинальные произведения искусства ручной работы. Если вы не уверены, соответствуете ли вы требованиям, посетите нашу справочную документацию для продавцов.
Нарушение авторских прав — Artfinder фокусируется на оригинальных произведениях искусства, и поэтому мы очень серьезно относимся к нарушениям авторских прав. В результате обратите внимание, что если вы не обладаете правами на использование и воспроизведение изображений, которые вы загрузите как часть своего приложения или после принятия, или если вы не можете доказать, что обладаете этими правами, ваше приложение будет быть отказано.
Limited editions — Мы недавно изменили наши условия в отношении печати ограниченным тиражом, поэтому, если вы заинтересованы в продаже распечаток оригинальных произведений искусства ограниченным тиражом, мы рекомендуем вам ознакомиться с этой статьей перед подачей заявки. Обратите внимание, что если вы решите подать заявку на продажу репродукций изобразительного искусства ограниченным тиражом, вы сможете сделать это после того, как ваша заявка будет одобрена. Однако вам необходимо будет подать заявку вместе с оригинальными произведениями искусства для целей заявки.Обратите внимание, что если вы подаете заявку только с фотографиями распечаток, ваша заявка может быть отклонена. Это не относится к цифровому искусству и гравюрам, только к репродукциям оригинальных картин, рисунков и коллажей.

Чтобы узнать больше о продажах в Artfinder и о том, как повысить свои шансы на получение предложения, посетите нашу справочную документацию для продавцов.

Перед тем, как начать процесс подачи заявки, ознакомьтесь с нашими часто задаваемыми вопросами здесь.

Пожалуйста, обратите внимание, что художники в Artfinder несут ответственность за настройку своих списков и управление своими магазинами, и что любой связанный текст, а также любое общение с покупателями, должно быть на английском языке, так как вы будете обращаться к международной аудитории.Поэтому вы должны подавать заявку на английском языке, чтобы избежать недопонимания / проблем с переводом во время процесса рассмотрения.

Чтобы зарегистрироваться в качестве галереи, вы должны представлять как минимум 7 художников и должны будете загрузить свой собственный идентификатор вместе с селфи, на котором вы держите свой идентификатор (или идентификатор + селфи человека, управляющего магазином). , чтобы продолжить.

Если вы являетесь агентом одного художника или хотите представлять только одного художника, вам нужно будет загрузить его ID + селфи с его ID как часть заявки, и напишите нам по адресу sellers @ artfinder.com с подписанным контрактом, подтверждающим, что вас назначили представлять художника в Artfinder, вместе с вашим удостоверением личности и селфи с вашим удостоверением личности.
Для получения дополнительной информации посмотрите здесь.

Если страна не указана в разделе обратного адреса в заявке продавца, вероятно, мы не сможем организовать возврат в эту страну, поэтому мы рекомендуем ознакомиться с нашей политикой, прежде чем подавать заявку.

Artfinder оставляет за собой право отклонить заявки по нашему усмотрению.Мы сожалеем, что не можем ответить на отдельные запросы относительно отклоненных заявок.

В настоящее время мы получаем очень большое количество заявок, и получение ответа может занять от 6 до 8 недель.

Пожалуйста, не связывайтесь с нами по поводу статуса вашей заявки, если с момента подачи прошло менее 8 недель.

Информация о доставке

Бесплатная наземная доставка для заказов на сумму свыше 69 $

$ 7 Наземная доставка по фиксированной ставке для заказов до $ 69

Исключения: Порог бесплатной наземной доставки должен быть достигнут до налога с продаж , чтобы соответствовать требованиям; Покупки по подарочной карте не учитываются.Не распространяется на заказы, содержащие крупногабаритные или тяжелые предметы (более 36 дюймов в длину, более 25 фунтов по весу или краски / носители размером в галлон). Не применяется к заказам, доставляемым за пределы 48 смежных штатов. Все дополнительные сборы рассчитываются с использованием тарифов UPS и будут добавлены к вашему заказу во время оформления заказа.

Большинство заказов, размещенных до 12:00 EST с понедельника по пятницу, обрабатываются и отправляются в течение 2 рабочих дней.

Подарочные карты

Подарочные карты, заказанные онлайн, обрабатываются с 8:00 до 17:30 EST, пн — пт.

Подарочные карты

отправляются бесплатно в течение одного рабочего дня с момента покупки по адресу Portland, ME почтой первого класса USPS. USPS не предлагает отслеживание почты первого класса. Мы не можем гарантировать сроки доставки USPS.

Пожалуйста, позвольте 1 дополнительному рабочему дню обработки, если ваш заказ размещен после 12:00 EST с понедельника по пятницу, в выходные дни или в праздничные дни США *.

* Все пункты снабжения A&C закрыты на следующих U.С. Праздников:

Новый год (1 января)
День памяти (последний понедельник мая)
День Независимости (4 июля)
День благодарения (четвертый четверг ноября)
Рождество (25 декабря)

Кроме того, наш отдел доставки не работает в День труда (первый понедельник сентября). В этот день не будет никаких услуг по отправке или доставке UPS.

Исключения: Наш основной центр выполнения заказов находится в Портленде, штат Мэн.Если какие-либо товары в вашем заказе отсутствуют в этом месте, ваш заказ, скорее всего, будет отправлен из другого места. Иногда мы не можем обрабатывать и отправлять заказы в указанные сроки из-за непредвиденных обстоятельств. Мы приложим все усилия, чтобы уведомить вас как можно скорее, если для доставки вашего заказа потребуется дополнительное время.

Услуги UPS и время доставки

Для получения информации об определениях услуг UPS и сроках доставки, пожалуйста, обратитесь к Службам внутренней доставки UPS и Службе международной доставки UPS

Информацию о гарантиях обслуживания UPS см. На страницах 24-25 Тарифов / условий обслуживания UPS

Если у вас есть какие-либо вопросы относительно времени доставки вашего заказа, пожалуйста, свяжитесь с нашим отделом доставки по телефону 844-644-7778, с 8:00 до 17:30 с понедельника по пятницу.

Приблизительный график наземных перевозок

Международные перевозки

Международные заказы отправляются через службу UPS Worldwide или UPS Standard.
Предложения о бесплатной и фиксированной доставке не распространяются на международные перевозки.
Стоимость доставки будет определена при оформлении заказа в зависимости от размера и веса посылки (ов) и пункта назначения.
Опасные или легковоспламеняющиеся предметы не могут быть отправлены за пределы США.
Предметы, доставленные на грузовиках, такие как мольберты и столы, не доступны для международной отправки.
Получатель международного отправления несет ответственность за уплату всех применимых пошлин и налогов при доставке.

Политика отсутствия на складе и невыполнения заказов

Мы не можем гарантировать, что все товары будут доступны для немедленной отправки. Если какие-либо приобретенные вами товары будут заказаны обратно, мы свяжемся с вами до обработки вашего заказа.
Недоставленных товаров отправляются вам без дополнительной оплаты, как только они становятся доступными.

вернуться к началу

7 истин, которые нужно принять, чтобы стать лучше

Фото Джейд Стивенс

Если вы хотите стать лучше как художник, вы должны идти в мир с широко открытыми глазами.

Есть определенные истины о жизни, какими бы трудными они ни казались, которые необходимо принять, если вы хотите стать лучшим художником.Если честно, в мире искусства может быть сложно ориентироваться, особенно художнику, пытающемуся утвердиться.

Невежество может быть блаженством, но подготовка к жизненным реалиям дает вам внутреннюю силу, чтобы справиться с ними. План, который поможет вам лучше ориентироваться на каменистой дороге впереди.

Некоторые из этих истин могут глубоко резонировать с тем, что вы уже знаете. Некоторые из них могут быть упражнением для роста, когда вы попадаете в неудобное пространство. С некоторыми вы можете вообще не согласиться.Но, надеюсь, они зажгут новые размышления, которые продвинут вас на вашем пути как художника.

Вот семь истин, которые вы должны принять, чтобы стать лучшим художником, которым вы можете быть.

Вы не станете мастером в одночасье

Когда вы начнете, между вашими ожиданиями и реальностью ваших навыков будет разрыв. А также, когда вы установили и просто пробуете что-то новое.

Вы не овладеете своим искусством за один день или за год, и, вероятно, за пять лет тоже.Сосредоточьтесь на освоении текущего проекта. Затем сосредоточьтесь на следующем проекте. Затем продолжайте делать это изо дня в день, пока, наконец, не станете мастером в своем искусстве.

Важно не расстраиваться, когда ваши способности не соответствуют вашему видению. Есть мудрость в признании разницы между ожиданиями и реальностью. И есть мудрость в понимании того, что вы потерпите неудачу, но и эти неудачи ведут к успеху.

Скажем прямо: вы не продержитесь и дня как художник, если не сможете оставаться позитивным даже перед лицом неудач.

Гораздо лучше подготовиться к трудной дороге впереди, чем надеяться, что ее не существует, или думать, что по какой-то причине вам не придется идти по этой дороге. Все делают.

Вы можете создать величайшее произведение, которое вы когда-либо создавали, но коллекционеры все равно не покажут его в своей галерее. Вы можете побывать на самой крутой арт-ярмарке, но при этом не торговать. Жизнь не всегда складывается так, как мы хотим, даже когда мы неустанно работаем, чтобы это произошло.

Но после того, как мы перестали жалеть себя, наступает момент, когда мы можем продолжить движение.Где мы не забываем быть добрыми к себе, а не бить себя. В этом нет ничего невозможного. Чтобы оставаться уверенными в том, что мы справимся со всем, что встречается на нашем пути. Найти возможность в неудаче. Это настоящий позитив.

Легче не становится, но становится устойчивее

Многие художники ошибаются, полагая, что если приложить достаточно усилий и времени, все станет на свои места. Что при определенном уровне успеха внезапно все их проблемы перестанут существовать.Чего они еще не осознали? Успех создает новые и разные проблемы. Кроме того, всегда будет больше работы, чтобы идти в ногу с новообретенным успехом.

Даже если вы выяснили все аспекты своей художественной карьеры, жизнь найдет способ проверить вас. Проблемы, которые вы не увидите впереди, вещи, которые невозможно решить, как бы вы ни работали — болезнь, стихийное бедствие, развод, смерть члена семьи и т. Д.

Жизнь такая хитрая. Он подкрадывается к вам, когда вы меньше всего этого ожидаете.

Мы настолько увлечены тем, как «должно быть», что забываем, как все обстоит на самом деле. Но это оправдание — ложь, которую мы говорим себе, потому что в глубине души мы знаем, что такое мир на самом деле. Это масштабно, страшно и часто несправедливо. Проблемы не останутся незамеченными, если мы спрячемся. Мир не идеален. Этого никогда не будет. И если вы будете ждать, пока это изменится, вы будете ждать вечно.

Принятие этих истин поможет вам принять вызовы и встретить их лицом к лицу. Будучи артистом, будут сложные ситуации, но ты справишься с ними, потому что ты силен.

Помните, что, каким бы маленьким оно ни было, не сдаваться — это удовольствие. Оглядываясь назад и осознавая, как вы справлялись с невзгодами с силой и грацией. Зная, что ты сможешь сделать это снова, когда придет время.

Идеального времени для начала никогда не бывает

Если вы похожи на любого другого художника в мире, вы, вероятно, однажды сказали себе что-то вроде: «Я не могу пойти в студию сегодня, потому что я слишком занят / слишком разбит горем / слишком устал / моя семья слишком сильно нуждается во мне / [укажите причину здесь.] ”

Мы поняли. Ожидая начала, пока все не станет правильным, вы чувствуете, что у вас больше шансов на успех.

Уловка? Всегда найдется причина, по которой ты не сможешь начать сегодня.

Помните, как жизнь стремится к тому, чтобы бросать вам проблемы? Как измельчение никогда не прекращается? Как мир никогда не станет идеальным местом?

По правде говоря, вы боитесь начинать, потому что боитесь возможности потерпеть неудачу.Все успешные художники сталкиваются с одной и той же проблемой.

Разница в том, что они все равно запускаются.

Они не формулируют «недостаточно». Всегда не хватает времени, денег, уверенности, недостатка того, что есть в данный момент, чтобы делать или делать то, что вам нужно сделать, чтобы стать успешным артистом.

Если они не знают, с чего начать, они копают и составляют план. Они выполняют мельчайшие задачи, потому что знают, что это единственный способ привести все в движение.А если что-то не получается, они милостиво разрешают себе изменить курс. В конце концов, ничего не получится, если вы не научитесь, верно?

Если вы хотите стать успешным художником, вы должны появиться.

Совершенство — враг прогресса. Практикуйте принятие того, где вы в настоящее время находитесь со своей работой. Когда вы только начинаете (или действительно на любом этапе), может быть трудно принять разрыв между тем, где вы находитесь, и тем, где вы хотите быть. У вас есть видение своей работы, но ваши навыки не позволяют вам достичь этого … пока.Талант и амбиции ничего не значат без постоянных усилий и практики.

Есть причина, по которой они говорят, что первый шаг самый трудный. Не тратьте столько времени на размышления о проблеме, чтобы не забыть искать решение.

Фото Йеля Коэна

Истинное удовлетворение своей работой нельзя получить с помощью внешней проверки

Деньги, слава, восторженные отзывы, подписчики в Instagram, распродажи, выставка в большой галерее — вы когда-нибудь замечали, как вещи, за которыми мы гоняемся в жизни, приходят и уходят так легко?

Конечно, эти вещи могут сделать нашу повседневную жизнь намного проще, и в то время они доставляют нам радость.(Нет ничего плохого в том, чтобы желать этого и упорно трудиться для этого!)

Но это забавно, как только у нас больше нет этих вещей в нашей жизни, радость сменяется беспокойством о том, как как можно скорее снова заполучить эти вещи. Внешние вещи, такие как подтверждение, — вещи, которые зависят от других, — не вечны. Вот почему счастье, истинное удовлетворение должны исходить изнутри. Причем изнутри собственной удовлетворенности своей работой.

В мире, который постоянно бросает вам вызов, счастье исходит изнутри — это уверенность в том, что все будет хорошо, что бы ни происходило.Художнику необходимо развить глубоко укоренившуюся стойкость и скромное удовлетворение собой и своей работой.

Когда вы начинаете доверять своему видению и своей работе, происходит волшебство. Это создает ощущение, которое напоминает вам, что это просто плохой день, неплохая карьера, и что вы сможете справиться со всем, что попадется вам на пути.

Нет «правильного» способа быть художником

Вы должны официально отказаться от стереотипного портрета жизни художника.И никакого отступничества.

Существуют сотни, если не тысячи романов, шоу и фильмов, романтизирующих жизнь художника. При правильном балансе борьбы и славы жизнь художников часто идеализируется, и может возникнуть соблазн воплотить весь комплекс в жизнь.

Но сколько людей намеревались на самом деле сделать работу под рукой? Если отбросить все внимание, награды и уважение, сколько людей останется там, работая изо дня в день — просто потому, что им это нужно?

Этот драйв понадобится вам для творчества, если вы хотите делать значимую работу.Потому что дни длинные, а препятствий предостаточно, и вам нужно быть мотивированным самим процессом, а не всеми побочными выгодами, чтобы добиться долгосрочного успеха.

Пока вы занимаетесь этим, разорвите также стереотип разрозненного гениального художника. Вы должны быть организованы, чтобы воплотить в жизнь свое видение.

Настоящая, значимая работа, о которой заботятся люди, проистекает из продуманного намерения.

Поиск виноватых только до вас

Так заманчиво свалить вину за проблемы, с которыми мы сталкиваемся.Если бы только общество больше ценило искусство. Если бы только этот покупатель понимал первоначальные цены на искусство. Если бы только этот присяжный посмотрел на мое искусство второй раз. Если бы только эта галерея меня больше рекламировала. Если бы только художественная школа не стоила столько. Если бы у меня было больше времени, больше денег на материалы, мою собственную студию и т. Д. И т. Д.

Мы понимаем любые обстоятельства, которые позволяют нам оправдать нашу нынешнюю позицию. Когда правда есть, вы всегда можете найти способ заработать. Возможно, это не , а именно то, что вы хотите делать сейчас, но это что-то.

Имеете ли вы право расстраиваться из-за этих невзгод? Может быть. Жизнь действительно очень тяжелая и часто несправедливая. Но стоит ли из-за этого сесть и сложить руки? Это намного проще, чем признаться себе в том, что вы могли бы усерднее работать или использовать больше возможностей. Трудно проглотить пилюлю, потому что зачастую ты единственный, кто стоит на пути к твоему успеху.

Оправдание не изменит ни ваших обстоятельств, ни кого-либо другого. Успешные художники не позволяют своим нынешним обстоятельствам определять их жизненный путь.Это тяжелая правда, чтобы принять ее, но когда вы ее примете, жизнь изменится.

Как художник, вы — босс. Единственный способ сделать что-то — это сделать. И, если вы хотите добиться успеха как художник, вам придется рискнуть. Иногда это единственный способ обрести желаемый успех или счастье. В какой-то момент вы должны научиться не только принимать риск как часть жизни, но и принимать его.

Фактор риска бездействия. Довольны ли вы своей карьерой или это вас до смерти пугает?

Инвестировать в себя — не эгоистично

На самом деле, инвестировать в себя — в свое счастье, увлечения, образование, навыки, бизнес — это самое стоящее, что вы можете сделать.

У вас есть только один шанс сделать то, что называется жизнью.

На работе или дома так легко увязнуть в попытках сделать других счастливыми. И в этом нет ничего плохого — до тех пор, пока вы не начнете верить, что их счастье важнее вашего собственного.

Каждый достоин быть счастливым, и никогда не поздно начать преследовать свои мечты. Это то, что вы сказали бы другу или члену семьи, если бы они спросили вас, не так ли? Пора начать прислушиваться к своему собственному совету.

Начните с простого инвестирования времени для себя.

Время творить больше и заботиться о себе. Чтобы узнать больше о деловой стороне искусства. Чтобы записаться на курс, почитать книгу, подать заявку на грант или посетить семинар, который вы втайне очень хотели попробовать. Затем, наконец, пришло время организовать и прибыть в своем арт-бизнесе, чтобы вы действительно могли зарабатывать на жизнь тем, что любите.

Сосредоточение внимания на себе не означает, что вы эгоистичны.

Ваши самые большие сторонники будут гордиться тем, что вы берете бразды правления в свои руки и стремитесь к собственному счастью, как и вы для них.

В конце…

Ничто не должно мешать вам жить так, как вы хотите.

Как гласит старая пословица: никто не говорил, что это будет легко, они только сказали, что оно того стоит — а карьера в области искусства находится наверху этого списка. Да, многие из этих истин будет сложно претворить в жизнь. Даже когда мы пишем эту статью, нам трудно полностью принять некоторые из этих моментов.

Но мы знаем, насколько важно об этом думать, потому что эти истины в конечном итоге помогут нам лучше ориентироваться в будущем.

Когда мы отказываемся от оправданий, страха неудачи, обвинений, мы остаемся с широко открытыми глазами.

Пусть страсть, которую вы испытываете при созидании, станет вашей северной звездой, и не увлекайтесь достижением конечного пункта назначения, чтобы забыть насладиться поездкой.

Готовы инвестировать в себя? Упростите управление своим арт-бизнесом с помощью бесплатной пробной версии Artwork Archive.

20 лучших женщин-исполнителей всех времен

Элизабет Луиза Виже Лебрен (французы, 1755–1842 гг.)

Элизабет Луиза Виже Ле Брен, полностью самоучка, стала художницей, несмотря на серьезные препятствия (как и любая другая женщина в Париже конца 18 века), и была активна в самые бурные времена в истории Европы.С вмешательством Марии-Антуанетты она была принята во Французскую академию в юном возрасте 28 лет как одна из четырех женщин-членов. Виже Ле Брен особенно хвалили за ее симпатичные портреты аристократических женщин, которые считались более естественными, чем работы ее современников. Вынужденный бежать из Парижа во время революции, художник путешествовал по Европе, получая впечатляющие заказы во Флоренции, Неаполе, Вене, Санкт-Петербурге и Берлине, прежде чем вернуться во Францию после урегулирования конфликта.

На фото: Элизабет Луиза Виже Лебрен, Автопортрет в соломенной шляпе (1782).

Мэри Кассат (американка, 1844–1926)

Одна из трех женщин-художников и единственная американка, официально связанная с импрессионизмом, Мэри Кассат также была неоценимым советником, помогая знакомить европейское искусство с основными коллекционерами в Соединенных Штатах. Кассат твердо верила, что живопись должна отражать современную жизнь.Ее современная женщина мастерски передана на картине 1878 года «» «В лодже », первой работе импрессиониста, которую художник выставил в Соединенных Штатах. Многие художники-мужчины изображали женщин в театральных ложах как объекты демонстрации, но главная героиня Кассат играет динамическую роль, участвуя в акте взгляда. Тем не менее мужской взгляд преобладает, так как издали седой театрал смотрит прямо на нее в свой бинокль. Как зритель и наблюдатель, мы замыкаем круг.

На фото: Мэри Кассат, In the Loge (1878), Министерство иностранных дел Бостона.

Хильма аф Клинт (шведка, 1862-1944)

Только после того, как в Музее Гуггенхайма был проведен крупный обзор ее работ, Хильма аф Клинт наконец получила широкое признание как выдающийся пионер абстрактного искусства; ее самые ранние абстрактные композиции были выполнены за много лет до произведений Василия Кандинского, Казимира Малевича и Пита Мондриана. Выставка « Hilma af Klint: Paintings for the Future » с октября 2018 по апрель 2019 года представляла собой множество больших, ярких, немного волшебно выглядящих абстрактных работ и остается самой посещаемой выставкой Гуггенхайма за всю историю.

Аф Клинт родилась в Стокгольме и училась в Городской Королевской академии изящных искусств, которую окончила в 1887 году и стала широко известна своими фигуративными работами и служила секретарем Ассоциации шведских женщин-художников. В это время спиритизм и теософия набирали силу, поскольку люди, в том числе Аф Клинт, искали способ примирить религию со многими недавними научными достижениями. Эти системы убеждений вдохновили ее первую большую группу нефигуративных, необъективных работ.Названный Картины для Храма, 193 картин были созданы между 1906 и 1915 годами и исследовали дуалистическое восприятие творения, эволюции и Вселенной. Аф Клинт, который планировалось установить в спиральном храме, потребовал, чтобы произведения не показывались раньше, чем через 20 лет после ее смерти. Эти картины, наряду с некоторыми из ее более ранних работ, составили основную часть выставки в Гуггенхайме — спиральном святилище само по себе.

На фото: Хильма аф Клинт, Десять крупнейших, No.7, Adulthood (1907).

Джорджия О’Киф (американка, 1887-1986)

Основополагающая фигура американского модернизма, в 1915 году Джорджия О’Киф была одним из первых американских художников, создавших чисто абстрактное произведение искусства, в отличие от доминирующего движения американского реализма. В фильме « Music, Pink and Blue » 1918 года О’Киф абстрагируется от цветочного сюжета с экстремальной обрезкой, создавая арку из разноцветных лепестков, гудящих с музыкальной энергией, предполагаемой названием.Теории русского художника Василия Кандинского частично вдохновили О’Киф на исследование «идеи о том, что музыку можно переводить во что-то для глаз», чтобы достичь чистого выражения, свободного от других внешних ссылок.

На фото: О’Киф позирует с Pelvis Series Red с желтым (1945) в Альбукерке, Нью-Мексико, в 1960 году.

Августа Сэвидж (американка, 1892-1962)

Скульптор-новатор, связанный с Гарлемским Возрождением, Августа Сэвидж также была влиятельным учителем и активистом, выступавшим за равные права афроамериканцев в искусстве.Сэвидж родилась недалеко от Джексонвилля, Флорида, в 1921 году переехала в Нью-Йорк, чтобы изучать искусство в Cooper Union, опередив 142 человека в очереди на ее место в колледже. В 1923 году Сэвидж подала заявку на участие в летней художественной программе, спонсируемой французским правительством, но в конечном итоге была отклонена из-за ее расы. Так началась ее пожизненная борьба за демократизацию и уравнивание искусств. Один из ее первых заказов, бюст В. Э. Б. Дюбуа для Гарлемской библиотеки, был хорошо принят, и Сэвидж приступила к лепке других афроамериканских лидеров, включая Маркуса Гарви и Уильяма Пикенса-старшего.

В 1929 году ее скульптура ребенка из Гарлема, Гамин, получила широкое признание и помогла ей получить стипендию для обучения в Академии Гранд Шомьер в Париже, где она выставляла свои работы и выиграла множество наград. Сэвидж вернулась в Соединенные Штаты в 1931 году и в 1932 году открыла Savage Studio of Arts and Crafts, которая стала Центром искусств Гарлемского сообщества. Два года спустя она стала первым афроамериканским художником, избранным в Национальную ассоциацию женщин. Художники и скульпторы.Всю оставшуюся жизнь художница продолжала создавать новаторские работы — она была одной из четырех женщин, получивших заказ от Всемирной выставки 1939 года — и посвятила свое время обучению искусству окружающих.

На фото: Августа Сэвидж работает над произведением, Нью-Йорк, штат Нью-Йорк, 1938.

Фрида Кало (мексиканка, 1907-1954)

Ожесточенные автопортреты Фриды Кало с ее культовыми монобровями и усами были однажды описаны Андре Бретоном, основателем сюрреализма, как «ленточки вокруг бомбы».«Действительно, картины Кало одновременно соблазнительны и конфронтационны. В« Две Фриды (Las dos Fridas) »1939 года, завершенной вскоре после развода Кало с мексиканским художником-монументалистом Диего Риверой, Кало изображает две ее личности — одну в традиционном костюме Техуаны со сломанной сердце, а другой — в современной одежде, независимый, с полным сердцем.Постоянное переделывание и наслоение собственной идентичности Кало было важным предшественником политики идентичности и продолжает вдохновлять художников сегодня.

На фото: Фрида Кало, Две Фриды (Лас-дос-Фридас) (1939), на выставке в 2007 году.

Луиза Буржуа (французская, 1911-2010)

Луиза Буржуа, родившаяся в Париже в семье, которая занималась реставрацией гобеленов, росла, помогая им в мастерской, заполняя недостающие части рисунков, изображенных на гобеленах. Хотя она изучала математику и геометрию в Сорбонне, в конце концов она вернулась в искусство, занимаясь гравюрой, живописью и крупномасштабной скульптурой на протяжении всей своей долгой и разнообразной карьеры.Хотя формально она не была связана с каким-либо конкретным художественным движением, она выставлялась с абстрактными экспрессионистами и исследовала темы, включая одиночество, ревность, гнев, сексуальность и бессознательное в ее работах.

В 1982 году, в возрасте 70 лет, Буржуа наконец-то получила возможность проявить себя, когда Музей современного искусства представил ретроспективу ее работ, на которой были изображены искаженные человеческие фигуры, подвешенные на проводах; тканевые творения, сделанные из ее старой одежды; и огромные скульптуры пауков, которые ей сейчас больше всего помнят.

На фото: Луиза Буржуа, Maman (1999), снято в Гамбурге, Германия, в 2012 году.

Агнес Мартин (канадка, 1912-2004)

Агнес Мартин, часто ассоциируемая с движением минимализма, существовала в собственной лиге и не поддается простой классификации. Сугубо личная и духовная, Мартин объяснила, что ее картины пришли к ней полностью сформированными, размером с почтовую марку, которые она переводила на крупномасштабные холсты.Сверкающая золотая икона « Дружба » 1963 года представляет собой великолепный образец оригинальной картины художника в виде сетки. Изящно прорезанные линии Мартина, кажущиеся совершенными, но при внимательном рассмотрении проникнутые чувством человеческой руки, создают бесконечное поле с таинственным качеством — воплощение запредельного покоя. Ретроспектива работ Мартина открывается в Гуггенхайме в Нью-Йорке в октябре 2016 года.

На снимке: Агнес Мартин, Friendship (1963), на выставке в галерее Тейт Модерн в Лондоне в 2015 году.

Леонора Кэррингтон (англо-мексиканка, 1917-2011)

Художница и писательница, известная своими сюрреалистическими работами, Леонора Каррингтон родилась в Соединенном Королевстве и изучала живопись в Школе искусств Челси, а затем в 1936 году перешла в Академию изящных искусств Озенфант в Лондоне. В том же году она приняла участие в Международной Выставка сюрреалистов была привлечена к работам немецкого живописца Макса Эрнста. В следующем году они встретились на вечеринке и завязали короткий роман, живя вместе в Париже до начала Второй мировой войны, после чего Эрнст был арестован местными властями и вынужден был бежать от преследований.Он сбежал в Соединенные Штаты с помощью Пегги Гуггенхайм, на которой позже женился.

Вскоре после разрыва отношений Кэррингтон был госпитализирован с психическим расстройством и лечился сильнодействующими лекарствами. После освобождения она сбежала в Мексику, где ее глубоко вдохновил местный фольклор, который во многом повлиял на ее творчество. В ее высоко автобиографических картинах есть отсылки к колдовству, метаморфозам и оккультизму, изображены фантастические существа и преследующие сцены. В 70-х годах она стала участницей Освободительного движения женщин и в 1973 году разработала плакат под названием « Mujeres Conciencia», «».В 1986 году она выиграла Премию за выслугу на съезде женщин-художников в Нью-Йорке за свою приверженность политической работе.

На фото: Леонора Кэррингтон, Испытание Оуэна (1959).

Элейн Стертевант (американка, 1924-2014)

Произведения Элейн Стертевант (известной по фамилии) вызывают двоякий взгляд; то, что на первый взгляд выглядит как картина Энди Уорхола или Джаспера Джонса, на самом деле является ее собственной работой, в которой формы и приемы оригинала были применены с пугающей степенью точности.С 1964 года Стертевант использует работы своих современников-мужчин, чтобы поставить под сомнение гендерную иерархию, оригинальность и авторство, а также структуры искусства и культуры. Фактически, Уорхол даже согласился позволить Стертеванту использовать своего создателя экрана для производства того же экрана Мэрилин, который он использовал в своей собственной работе. Как вспоминает Стертевант, когда Уорхола спрашивали о деталях его процесса, он просил людей «спросить Элейн».

На фото: Элейн Стертевант, Диптих Уорхола (1973), проданный Christie’s в 2015 году.

Бетье Саар (американка, р. 1926)

Бетье Саар, одна из самых знаменитых мастеров ассамбляжа, является настоящей иконой в сфере современного искусства. Она родилась в Лос-Анджелесе, училась в Калифорнийском университете в Лос-Анджелесе, который окончил в 1947 году по специальности дизайн, но страстно увлекался гравюрой. В 1967 году она посетила выставку скульптора найденных предметов Джозефа Корнелла, которая коренным образом повлияла на ее творческий путь.Она начала выкладывать сборочные коробки своими собственными гравюрами и рисунками и заполнять их найденными объектами, создавая части, посвященные расам и текущим событиям.

После убийства доктора Мартина Лютера Кинга-младшего в 1968 году ее деятельность стала более откровенно политической и экстремистской. В 1970-е годы Саар был членом Движения черных искусств, состоящего из поэтов, писателей, исполнителей и художников, которые объединили активизм и искусство, чтобы противостоять структурам власти белых и дать голос опыту черных.Ее самая известная работа, Освобождение тети Джемаймы (1972), изображает маму-куклу, вооруженную винтовкой и гранатой, готовую бороться с предрассудками, физическим насилием и пренебрежительными стереотипами, навязанными чернокожим американцам. Как объяснил Саар: «Моя цель как художника — создавать работы, разоблачающие несправедливость и раскрывающие красоту. Радуга — это буквально спектр цветов, в то же время духовный символ надежды и обещания ».

На фото: Бети Саар, Brides of Bondage , на выставке в колледже Сэддлбэк в Мишн-Вьехо, Калифорния, в 1998 году.

Хелен Франкенталер (американка, 1928-2011)

Прорывная картина «пятна» Хелен Франкенталер, Горы и Море, 1952 года сыграла ключевую роль в переходе от грандиозного жеста абстрактного экспрессионизма к плоским, медитативным формам живописи цветового поля. Франкенталер, прежде всего колорист, вылил банки с краской на необработанный холст, позволяя материалу впитаться в основу, образуя аморфные формы.Как женщина абстрактного экспрессионизма, Франкенталер прорвалась через движение, в котором преобладает мужское начало, и позволила услышать свой собственный уникальный художественный голос. В настоящее время ее работы являются частью давно назревшей выставки «Женщины абстрактного экспрессионизма», которая открылась в Денверском художественном музее в июне 2016 года и отправится в Музей монетного двора в Шарлотте и Художественный музей Палм-Спрингс.

На фото: Хелен Франкенталер ок. 1956.

Яёи Кусама (яп., Б.1929)

Королева горошек, Яёи Кусама была значительной силой на авангардной арт-сцене 1960-х годов и продолжает расширять границы искусства — даже в моде благодаря недавнему сотрудничеству с Louis Vuitton. Ее «хеппенинги» 1960-х годов были новаторскими, в частности, Narcissus Garden 1966 года, который художница исполнила на мировой арене на Венецианской биеннале. Финансируемый другим художником Лучио Фонтаной, Кусама собрал 1500 серебряных шаров — трехмерных точек в горошек — на лужайке и предложил их на продажу посетителям по цене 1200 лир (два доллара) каждый в качестве критики коммерциализма мира искусства.

На фото: Яёи Кусама, Сад нарциссов (1966), экспонируется в Chatsworth House в Чатсуорте, Англия, в 2009 году.

Джуди Чикаго (американка, Б. 1939)

Отдавая дань уважения выдающимся историческим женщинам, художница-феминистка, писательница и педагог Джуди Чикаго отправилась значительно дальше в прошлое, чем Париж конца 18-го века. В The Dinner Party с 1974 по 1979 год, Чикаго создал культовую инсталляцию, посвященную 1038 женщинам в истории, с вышитыми знаменами для входа, выгравированным полом и массивным треугольным банкетным столом с сервировкой для 39 женщин, с самыми разными гостями из Первородной Богини. Джорджии О’Киф.В настоящее время размещенная в Центре Саклера в Бруклинском музее, инсталляция является центральным элементом феминистского искусства, созданного в поворотный период 1970-х годов, когда художницы-художницы вплотную занялись гендерными проблемами.

На фото: Джуди Чикаго, Ужин (1974-1979), Бруклинский музей.

Марина Абрамович (сербка, р. 1946)

Самопровозглашенная бабушка исполнительского искусства, Марина Абрамович развивает свою практику более пяти десятилетий.Она родилась в Белграде, Югославия (ныне Сербия), в семье строгих родителей, тесно связанных с коммунистическим режимом страны. Она изучала живопись в Академии изящных искусств в Белграде, а затем получила степень магистра в Академии изящных искусств в Загребе.

Она начала изучать перформанс в 70-х, отказавшись от холста и вместо этого превратив себя в медиума, чтобы более тесно общаться со своей аудиторией. Включая перформанс, звук, видео, фотографию и скульптуру, ее работа, которая состоит из длинных рутинных процедур, которые часто подвергают ее физической опасности или боли, исследует такие темы, как доверие, выносливость, очищение, истощение и уход, и заставляет зрителей смотреть на поскольку она проверяет пределы своего тела.

В 1976 году Абрамович начал сотрудничать с немецким художником Улаем, и они оставались артистическими и романтическими партнерами до 1988 года, когда она обнаружила, что он изменял. В 2010 году Абрамович поставил в Музее современного искусства перформанс, основанный на выносливости, под названием « Художник присутствует ». В течение двух с половиной месяцев она сидела в одном конце стола и приглашала зрителей сесть напротив нее, чтобы ненадолго погрузиться в безмолвную встречу. Удивив Абрамович и доведя ее до слез, Улай занял место с другой стороны стола, и они разделили волнующий момент после более чем 20 лет молчания.

На фото: Марина Абрамович представляет Марина Абрамович: Художник присутствует в Музее современного искусства 9 марта 2010 года в Нью-Йорке.

Адриан Пайпер (американец, Б. 1948)

«Дорогой друг, я черный. Я уверен, что ты не осознавал этого, когда делал / смеялся / соглашался с этим расистским замечанием», — говорится в сообщении Адриана Пайпера « My Calling (Card) # 1 с 1986 по 1990 год». Художник-концептуалист и перформанс, Пайпер — первопроходец в решении актуальных проблем, связанных с полом и расой.В своей серии Mythic Being Пайпер превратилась в чернокожего мужчину из низшего сословия и гуляла по улицам Кембриджа, обнажая абсурдность стереотипов общества.

Будучи светлокожей темнокожей художницей, ее конфронтационные работы остаются чрезвычайно дальновидными и значительными сегодня, заставляя нас подвергать сомнению социальную иерархию и восприятие идентичности. Недавно Пайпер была награждена премией «Золотой лев» как лучший художник на 56-й Венецианской биеннале ^{в 2015 году за свою работу The Probable Trust Registry , которая состоит из киосков корпоративного типа, в которых посетители могут подписывать контракты, соглашаясь жить за счет набора. правил, поощряющих личную ответственность.}

На фото: Адриан Пайпер получает награду «Золотой лев» на 56-й Венецианской биеннале в 2015 году.

Мэрилин Минтер (американка, р. 1948 г.)

Размывая границы между чувственным и гротескным, фотореалистичные работы Мэрилин Минтер обращаются к современным идеалам красоты, сексуальности и человеческому телу в стиле глянцевых модных образов. Известная своими картинами на эмали и металле, у нее есть процесс, который состоит из фотографирования на пленке, обработки их в темной комнате и наложения нескольких избранных изображений для создания совершенно новой композиции, на которой будет основана ее последняя картина.

Получив степень бакалавра в Университете Флориды в 1970 году и степень магистра иностранных дел в Сиракузах в 1972 году, Минтер переехала в Нью-Йорк и начала снимать мягкие сцены, связанные с женской домашней жизнью, такие как пол на кухне и различные продукты питания. В 80-х годах она сфокусировала свой объектив на более чувственных предметах, а именно на женском теле и порнографии. Ее откровенно сексуальные работы вызвали широкую негативную реакцию, что заставило Минтер исследовать, почему страсть, желание и близость были — и остаются — окутанными общественным дискомфортом.Сочетая в себе элементы изящной фотографии моды и красоты, а также яркие рекламные образы, работа Минтера сопоставляет понятия гламура и безупречности (накрашенные губы, ослепленные туфли на шпильке и блестящие веки) с менее желанной реальностью (пот, слюна, волосы и грязь).

На фото: Мэрилин Минтер, Orange Crush (2009 г.), на выставке в ее студии в Нью-Йорке в 2009 г.

Синди Шерман (американка, р. 1954)

Известная художница группы Pictures Generation, группы американских художников начала 70-х, известных своим анализом медиакультуры, Синди Шерман создает фотографические автопортреты, критикующие гендер и идентичность.Выступая в качестве режиссера, визажиста, парикмахера, стилиста, модели, сценографа и фотографа, художница превращается в сложных персонажей и снимается в не менее сложных сценах.

После учебы в Государственном университете Нью-Йорка в Буффало, Шерман переехал в Нью-Йорк в 1976 году, чтобы продолжить карьеру фотографа. Вскоре после прибытия она начала работать над кадрами из фильмов без названия (1977-80), ставшим культовым сериалом, в котором она появляется во множестве обличий и декораций, изображая женские стереотипы, встречающиеся в фильмах и средствах массовой информации, включая несчастную домохозяйку . , брошенный любовник и уязвимый наиф .С тех пор она продолжала превращаться в самых разных персонажей, заставляя свою аудиторию противостоять другим распространенным стереотипам и их искусственности.

На протяжении своей карьеры Шерман сотрудничала с рядом модных брендов, включая Prada, Dolce & Gabbana, Balenciaga и Marc Jacobs, а также с модными журналами, включая Interview и Harper’s BAZAAR . В 2016 году она подрабатывала звездой уличного стиля в сатирической репортаже в мартовском номере Bazaar .

На фото: Синди Шерман, Untitled # 414 , (2003), на выставке на Национальной портретной галерее в центре Лондона в 2016 году.

Ширин Нешат (иранка, Б. 1957)

Ширин Нешат, родившаяся в Казвине, Иран, переехала в Соединенные Штаты в 1974 году, чтобы учиться в Калифорнийском университете в Беркли, получив степень бакалавра и магистра в области изящных искусств в 1983 году. Вскоре после окончания учебы она переехала в Нью-Йорк, где она 10 лет проработал в Витрине искусства и архитектуры.Лишь после возвращения в Иран в 1993 году, через 14 лет после Исламской революции, она снова начала заниматься искусством.

Известная своими работами в области фотографии, видео и кино, проекты Нешат часто исследуют различные оппозиции, от ислама и Запада до мужчин и женщин. Как она объяснила на выставке, организованной инициативой по сбору средств Art 19: «Я всегда считала, что художники должны быть политически сознательными, и в моем личном случае родиться из Ирана, страны, которая подрывает основные права человека, особенно со времен ислама. революции, я бесконтрольно тяготел к созданию искусства, занимающегося проблемами тирании, диктатуры, угнетения и политической несправедливости.Хотя я не считаю себя активистом, я считаю, что мое искусство, независимо от его природы, является выражением протеста и призывом к человечеству ».

Ее первые видеоинсталляции — Turbulent (1998), Rapture (1999) и Fervor (2000) — исследовали гендер и общество, в частности ограниченность исламских законов в отношении женщин; ее первый полнометражный фильм, Mahdokht (2004), снят по роману Шахрнуш Парсипур « Женщины без мужчин», , тоже по теме.Нешат была удостоена впечатляющего количества наград за свои работы, в том числе Международной премии Венецианской биеннале 1999 года и Серебряного льва за лучшую режиссуру на Венецианском кинофестивале 2009 года.

На фото: Ширин Нешат позирует в своей студии в Сохо, Нью-Йорк, 2011 год.

Микален Томас (американец, Б. 1971)

Наиболее известная своими картинами, похожими на коллаж, Микален Томас создает яркие портреты и детализированные интерьеры, которые затрагивают такие темы, как сексуальность, расу, красоту и пол, и исследуют, как представление женщин в популярной культуре влияет на наше определение женственности.Используя стразы, которые служат аналогом женственности, Томас привлекает внимание к отдельным компонентам своих вещей (волосы, обувь и т. Д.) И просит зрителей подумать о том, что обычно характеризует женственность.

Вдохновленная множеством движений, включая импрессионизм, кубизм и дадаизм, художница часто ссылается на фигуративные работы ранних модернистов, таких как Пабло Пикассо, Анри Матисс и Эдуард Мане, в своих портретах, изображая своих женских персонажей в позах, популяризированных ею. предшественников-мужчин в попытке ниспровергнуть представление женщин как объектов.

Член Движения пост-черного искусства, категории современного афроамериканского искусства, Томас имеет степень бакалавра искусств Института Пратта и степень магистра искусств Йельской школы искусств, а также работает в области фотографии, видео, скульптуры и инсталляций.

На фото: Микален Томас позирует в Artists ‘Studios в Нью-Йорке в 2008 году.

Этот контент создается и поддерживается третьей стороной и импортируется на эту страницу, чтобы помочь пользователям указать свои адреса электронной почты.Вы можете найти больше информации об этом и подобном контенте на сайте piano.io.

5 черт характера успешных художников

Кэрри Льюис в Art Business Advice> General Art Advice

Некоторое время назад я описал четыре самых важных навыка, которые необходимы каждому художнику для достижения успеха. Эти навыки были:

• Способность видеть
• Способность рисовать то, что вы видите
• Способность продвигать себя и свою работу
• Возможность говорить «нет»

Быстрое объявление — EmptyEasel создал более быстрый и простой способ для художников имеют собственный арт-сайт. Щелкните здесь, чтобы узнать больше и получить собственный простой художественный веб-сайт!

В конце статьи я упомянул, что есть и другие навыки, которые должен развивать каждый художник. С тех пор я думал об этом и понял, что навыки — не единственное, что разделяют самые успешные художники — есть также некоторые общие характеристики , которые разделяет каждый успешный художник:

1. Стойкость

Настойчивость — это качество, которое позволяет кому-то продолжать что-то делать или пытаться что-то делать, даже если это сложно или противится другим людям.Вам не нужно более исчерпывающее определение, чтобы понять, как настойчивость применима к творчеству художника.

Художникам нужна настойчивость:

• Совершенствуйте и / или совершенствуйте навыки
• Осваивайте новые навыки
• Завершайте отдельные произведения искусства
• Создавайте исключительные работы
• Постройте успешную карьеру в искусстве
• Поддерживайте карьеру в искусстве

Большинство из них — долгосрочные; некоторые разрабатываются в течение всей жизни. (Дали, например, потратил 50 лет на разработку своих сюрреалистических приемов живописи.) Если у вас нет настойчивости, чтобы подпитывать свои мечты, они могут никогда не стать реальностью.

Если цель художника — зарабатывать на жизнь искусством, ему также требуется настойчивость, чтобы продолжать совершенствоваться и творить, когда произведения искусства не продаются. Нет ничего более разочаровывающего — или более обескураживающего — чем сделать лучшую работу в своей карьере только так, чтобы она осталась непроданной. Соблазн сдаться может стать очень сильным, как и соблазн рисовать для рынка или преследовать тенденции.

Художник настойчиво сопротивляется этим искушениям и идет своим курсом.

2. Терпение

Терпение — качество спокойной выносливости. Стереотипный художник страстен; либо восхищены их работой, либо испытывают отвращение. Терпение сглаживает эти взлеты и падения. Это похоже на настойчивость, но в то время как настойчивость — это скорее дисциплина, терпение — это скорее отношение. Вы можете быть настойчивым, не проявляя терпения.

Большинству из нас нужно научиться терпению. . . Я знаю, что сделал. Это не мгновенное приобретение, но оно того стоит.

3.Страсть

Большинство из нас знает о художественном увлечении — это то, что побуждает нас творить. Страсть — это движущая сила, которая заставляет вас заниматься искусством, даже когда кажется, что для этого нет никакой другой причины.

Словарь определяет страсть по-разному. К этому обсуждению применяются следующие определения: «сильное, возбуждающее или непреодолимое чувство или убеждение» и «сильная симпатия или желание или преданность какой-либо деятельности, объекту или концепции».

Вам не обязательно испытывать пламенеющее изобилие в своем искусстве (хотя пламенное изобилие не обязательно плохо), но у вас должно быть желание делать работу .Ваша страсть — это то, что питает настойчивость и терпение. Это бензин, на котором работает «машина» вашей карьеры.

4. Чувство приключений

Вся жизнь — это приключение. Вы начинаете день своего рождения и путешествуете по извилистой дороге до последнего дня. Никогда не знаешь, что может ожидать тебя за следующим поворотом, через следующий мост или через густой лес.

Создание искусства во многом похоже. Неважно, насколько вы планируете свою следующую работу, нет никакой гарантии, что все получится так, как вы хотели.Счастливые случайности случаются постоянно, и успешный художник узнает их и извлечет из них выгоду.

Авантюрный дух также необходим, если вы хотите исследовать новые предметы или темы или заняться знакомым предметом по-другому. Или даже тогда, когда хорошо спланированная картина или рисунок принимает неожиданный оборот, и вы попадаете за пределы зоны творческого комфорта.

Кроме того, если вы никогда не продавали свою работу, вам понадобится значительное чувство приключения, чтобы сделать первые шаги в этом направлении.И как только вы начнете заниматься маркетингом, ваше чувство приключения будет заставлять вас двигаться вперед, всегда пробуя что-то новое.

5. Дисциплина

Настойчивость, терпение и страсть необходимы, но их нужно использовать должным образом, чтобы служить вам наилучшим образом.

Passion run amok может заставить вас прыгать от одного проекта к другому, ничего не закончив. Вы должны дисциплинировать его с упорством и терпением, чтобы закончить работу, которую затем можно будет продвигать и, надеюсь, продавать.

Упорство без дисциплины страсти становится сухим и ужасным.

И как бы вы ни были полны приключений, если вам не хватает дисциплины, чтобы постоянно ставить одну ногу впереди другой — или делать следующий мазок краской или карандашом — вы никогда ничего не добьетесь.

Понятно, что творческая жизнь не скучна. . . но действительно требует от многих черт характера, которые часто используются бизнесменами, спортсменами и другими людьми, чей драйв и сила воли делают их успешными.Практикуйте эти качества (в дополнение к своим художественным приемам), и вы заложите прочный фундамент для создания своего искусства.

ПОЛУЧИТЬ ЛИСТНИК В СВОЕМ ЯЩИКЕ

Мы будем отправлять вам статьи и учебные пособия сразу после их публикации, чтобы вы не пропустили ни одной публикации! Отпишитесь здесь в любое время.

ПРИМЕЧАНИЕ. Вас также может заинтересовать пошаговое руководство по рисованию EE для художников. Нажмите ниже, чтобы узнать больше!

Это сообщение может содержать партнерские ссылки.

Live Nation опровергает сообщение о запрете на COVID в контрактах с артистами

Live Nation быстро и категорически опровергает твит, подразумевая, что его контракты с артистами включают запрет на раскрытие положительных результатов тестов на COVID в гастрольных группах. В твите, которым музыкант Кортни Джей поделилась в виде скриншота из ветки текстовых сообщений, было указано, что музыканту не разрешено делиться тем, что восемь членов его гастрольной команды дали положительный результат на COVID-19 из-за договорного запрета. из Live Nation.

Официальный аккаунт

Live Nation ответил на твит Джея, а генеральный директор Майкл Рапино ответил прямо на ответный твит, в котором он был отмечен в той же теме.

«В наших контрактах нет абсолютно никакого запрета на кляп, — написал гигант живых развлечений. «Мы заботимся о наших сотрудниках, команде, фанатах и артистах и продолжим выполнять требования местных органов здравоохранения по мере проведения мероприятий».

Получение
подобных сообщений от друзей заставляет меня сейчас невероятно беспокоиться обо всех музыкантах и членах команды на гастролях.пожалуйста, будьте в безопасности, все. также — wtf @LiveNation? pic.twitter.com/fHLPTnNJm3
— Кортни Джей (@TropicaliJaye) 1 августа 2021 года

Скриншоты текста, которые, как следует из твита Джей, были получены от кого-то, кого она знала лично, говорят о том, что восемь из 11 членов одной туристической команды дали положительный результат на COVID, особенно на более заразный вариант «дельта», но политика туристического гиганта сохранила их. от публичных комментариев по этому поводу. «Этот судебный приказ, изданный Live Nation, соберет много людей — шесть.Или того хуже », — закрылось.

Джей, который пометил Live Nation в начальной беседе (в частности, написав «wtf @LiveNation?» В конце), цитирует ответ Live Nation в Твиттере, похоже, решивший эту проблему.

Ниже первого твита Джея другой пользователь твиттера зациклился на президенте / генеральном директоре LN Майкле Рапино, сообщив ему, что он «может захотеть УПРАВЛЯТЬСЯ впереди этого…», на что он ответил: «Мы только что сделали. МЫ никогда не получали приказы о приколе в отношении Covid ».

Тема, возможно, оказалась поддельной, но проиллюстрированные опасения реальны — растущее число случаев, связанных с COVID, и приостановка вакцинации в Соединенных Штатах, безусловно, вызывают у профессионалов индустрии развлечений некоторые опасения по поводу возвращения к жизни. развлечения этим летом.Бродвей недавно объявил, что все зрители старше 12 должны будут предъявить доказательства вакцинации как минимум до октября, в то время как некоторые шоу, в том числе повторное открытие концерта Foo Fighters на форуме в Лос-Анджелесе, были отложены из-за заражения вирусом внутри группы. организации.

Сама

Live Nation заявила, что не будет требовать никаких доказательств вакцинации для доступа к мероприятию, но будет соответствовать любым таким требованиям, установленным организаторами мероприятия, использующими Ticketmaster или местными властями, по мере необходимости.

современных художников | Магазин | Phaidon

КНИГИ
КНИГИ
КНИГИ
Новое
Бестселлеры
Подписанные издания
Подарки
Коллекции
Поиск по темам
Арт
Архитектура
Детские книги
Декоративно-прикладное искусство
Проект
Мода / Культура
Пленка
Еда
Сады
Общая документальная литература
Исполнительское искусство / музыка
Фотография
Путешествие
Monacelli
Artspace
ПОДАРКИ
МОНАЧЕЛЛИ
АРТСПЕЙС
ЖУРНАЛ
ЖУРНАЛ
ЖУРНАЛ
Архитектура
Арт
Проект
Мода
Еда
Фотография
ПРИСОЕДИНЯЙТЕСЬ К НАМ

Категория Фильтр

Новое
Подписанные издания
Бестселлеры
Подарки
Коллекции
Искать по предметам
Архитектура
Изобразительное искусство
Энди Уорхол
E H Gombrich
Искусство и идеи
Phaidon Focus
Библиотека цветов
Искусство и литература
Phaidon Classics
Миниатюрные издания
Художественные темы
Современные художники
Темы и движения
Монографии художников
Бестселлеры
Детские книги
Коллекционные издания
Декоративно-прикладное искусство
Проект
Мода / Культура
Пленка
Еда
Французские издания
Сады
Документальная литература общего характера
Подарки
Исполнительское искусство / музыка
Фотография
Подписанные издания
Испанские издания
Канцелярские товары
Путешествие
Monacelli
Artspace

рекомендуемые

Рекомендуется
Заголовки от А до Я
Цена

Партия Николаса

Цена 69 австралийских долларов.95
Цена 65,00 CAD $
Цена 45,00 €
Цена 35,00 £
Цена 49,95 тенге
Цена 49,95 долларов США

Узнать больше

Лорна Симпсон — исправленное и расширенное (подписанное издание)

Цена 90,00 австралийских долларов
Цена 90,00 канадских долларов
Цена 59 евро.95
Цена 45,00 £
Цена 69,95 тенге
Цена 69,95 долларов США

Узнать больше

Джим Ходжес (Предзаказ)

Узнать больше

Джим Ходжес — Подписанное издание (предварительный заказ)

Цена 69 австралийских долларов.95
Цена 65,00 CAD $
Цена 45,00 €
Цена 35,00 £
Цена 49,95 тенге
Цена 49,95 долларов США

Узнать больше

Сесили Браун

Цена 69,95 австралийских долларов
Цена 65,00 CAD $
Цена 45,00 €
Цена 35 фунтов стерлингов.00
Цена 49,95 тенге
Цена 49,95 долларов США

Узнать больше

Адам Пендлтон

Цена 69,95 австралийских долларов
Цена 65,00 CAD $
Цена 45,00 €
Цена 35,00 £
Цена 49,95 тенге
Цена 49,95 долларов США

Узнать больше

Бернар Венет

Цена 69 австралийских долларов.95
Цена 65,00 CAD $
Цена 45,00 €
Цена 35,00 £
Цена 49,95 тенге
Цена 49,95 долларов США

Узнать больше

Адриан Вильяр Рохас

Узнать больше

Лили Рейно-Дьюар

Цена 69,95 австралийских долларов
Цена 65,00 CAD $
Цена 39,95 €
Цена 35,00 £
Цена 49,95 тенге
Цена 49,95 долларов США

Узнать больше

Джонас Вуд

Цена 69 австралийских долларов.95
Цена 65,00 CAD $
Цена 39,95 €
Цена 35,00 £
Цена 49,95 тенге
Цена 49,95 долларов США

Узнать больше

Жан-Мишель Отониэль

Цена 69,95 австралийских долларов
Цена 65,00 CAD $
Цена 39,95 €
Цена 35 фунтов стерлингов.00
Цена 49,95 тенге
Цена 49,95 долларов США

Узнать больше

Даан Русегаарде

Цена 69,95 австралийских долларов
Цена 65,00 CAD $
Цена 45,00 €
Цена 35,00 £
Цена 49,95 тенге
Цена 49,95 долларов США

Узнать больше

Elmgreen & Dragset

Цена 65 австралийских долларов.00
Цена 65,00 CAD $
Цена 45,00 €
Цена 35,00 £
Цена 49,95 тенге
Цена 49,95 долларов США

Узнать больше

Фрэнсис Алес — Пересмотренное и расширенное

Цена 89,95 австралийских долларов
Цена 90,00 канадских долларов
Цена 59,95 €
Цена 45 фунтов.00
Цена 69,95 тенге
Цена 69,95 долларов США

Узнать больше

Яннис Кунеллис

Цена 65,00 австралийских долларов
Цена 65,00 CAD $
Цена 45,00 €
Цена 35,00 £
Цена 49,95 тенге
Цена 49,95 долларов США

Узнать больше

Шэрон Хейс

Цена 65 австралийских долларов.00
Цена 65,00 CAD $
Цена 45,00 €
Цена 35,00 £
Цена 49,95 тенге
Цена 49,95 долларов США

Узнать больше

Джессика Стокхолдер — Исправленное и расширенное издание

Цена 79,95 австралийских долларов
Цена 90,00 канадских долларов
Цена 59 евро.95
Цена 39,95 £
Цена 69,95 тенге
Цена 69,95 долларов США

Узнать больше

Марк Брэдфорд

Цена 65,00 австралийских долларов
Цена 64,95 канад. Долл. США
Цена 39,95 €
Цена 29,95 £
Цена 49,95 тенге
Цена 49 долларов США.95

Узнать больше

Тревор Паглен

Цена 65,00 австралийских долларов
Цена 64,95 канад. Долл. США
Цена 39,95 €
Цена 29,95 £
Цена 49,95 тенге
Цена 49,95 долларов США

Узнать больше

Фрэнк Стелла

Цена 65 австралийских долларов.00
Цена 64,95 канад. Долл. США
Цена 39,95 €
Цена 29,95 £
Цена 49,95 тенге
Цена 49,95 долларов США

Узнать больше

Яёи Кусама — Исправленное и расширенное издание

Цена 89,95 австралийских долларов
Цена 95,00 CAD $
Цена 59 евро.95
Цена 39,95 £
Цена 69,95 тенге
Цена 69,95 долларов США

Узнать больше

Керри Джеймс Маршалл

Цена 59,95 австралийских долларов
Цена 65,00 CAD $
Цена 39,95 €
Цена 29,95 £
Цена 49,95 тенге
Цена 49 долларов США.95

Узнать больше

Джимми Дарем

Цена 89,95 австралийских долларов
Цена 89,95 канадских долларов
Цена 59,95 €
Цена 39,95 £
Цена 69,95 тенге
Цена 69,95 долларов США

Узнать больше

Мона Хатум

Цена 90 австралийских долларов.00
Цена 90,00 канадских долларов
Цена 59,95 €
Цена 45,00 £
Цена 69,95 тенге
Цена 69,95 долларов США

Узнать больше

Стерлинговый Рубин

Цена 65,00 австралийских долларов
Цена 65,00 CAD $
Цена 45,00 €
Цена 29 фунтов стерлингов.95
Цена 49,95 тенге
Цена 49,95 долларов США

Узнать больше

Найджел Кук

Цена 65,00 австралийских долларов
Цена 65,00 CAD $
Цена 45,00 €
Цена 29,95 £
Цена 49,95 тенге
Цена 49,95 долларов США

Узнать больше

Пол Маккарти — Исправленное и расширенное издание

Цена 89 австралийских долларов.95
Цена 79,95 канадских долларов
Цена 59,95 €
Цена 39,95 £
Цена 69,95 тенге
Цена 69,95 долларов США

Узнать больше

Сара Зе

Цена 59,95 австралийских долларов
Цена 59,95 канадских долларов
Цена 39,95 €
Цена 29,95 £
Цена 49 тг.95
Цена 49,95 долларов США

Узнать больше

Theaster Gates

Цена 59,95 австралийских долларов
Цена 55,95 канадских долларов
Цена 39,95 €
Цена 29,95 £
Цена 49,95 тенге
Цена 49,95 долларов США

Узнать больше

Инь Сючжэнь

Цена 59 австралийских долларов.95
Цена 55,95 канадских долларов
Цена 39,95 €
Цена 29,95 £
Цена 49,95 тенге
Цена 49,95 долларов США

Узнать больше

Алекс Кац

Цена 55,00 австралийских долларов
Цена 75,95 канадских долларов
Цена 59,95 €
Цена 39,95 £
Цена 69 т.95
Цена 69,95 долларов США

Узнать больше

Моника Бонвичини

Цена 59,95 австралийских долларов
Цена 49,95 канадских долларов
Цена 39,95 €
Цена 29,95 £
Цена 49,95 тенге
Цена 49,95 долларов США

Узнать больше

Вольфганг Тильманс

Цена 79 австралийских долларов.95
Цена 69,95 канад. Долл. США
Цена 59,95 €
Цена 39,95 £
Цена 69,95 тенге
Цена 69,95 долларов США

Узнать больше

Крис Йохансон

Цена 69,95 австралийских долларов
Цена 59,95 канадских долларов
Цена 49,95 €
Цена 35 фунтов стерлингов.00
Цена 59,95 тенге
Цена 59,95 долларов США

Узнать больше

Саймон Старлинг

Узнать больше

Павел Альтхамер

Цена 59 австралийских долларов.95
Цена 59,95 канадских долларов
Цена 39,95 €
Цена 27,95 £
Цена 45,00 тенге
Цена 45,00 долларов США

Узнать больше

Чжан Хуань

Цена 55,00 австралийских долларов
Цена 59,95 канадских долларов
Цена 39,95 €
Цена 27,95 £
Цена Т45.00
Цена 45,00 долларов США

Узнать больше

Ай Вэйвэй

Цена 55,00 австралийских долларов
Цена 59,95 канадских долларов
Цена 39,95 €
Цена 27,95 £
Цена 45,00 тенге
Цена 45,00 долларов США

Узнать больше

Стивен Шор

Цена 55 австралийских долларов.00
Цена 59,95 канадских долларов
Цена 39,95 €
Цена 27,95 £
Цена 45,00 тенге
Цена 45,00 долларов США

Узнать больше

Анри Сала

Узнать больше

Роман, подписавший

Узнать больше

Питер Фишли Дэвид Вайс

Узнать больше

Ханс Хааке

Цена 55,00 австралийских долларов
Цена 59,95 канадских долларов
Цена 39,95 €
Цена 27 фунтов.95
Цена 45,00 тенге
Цена 45,00 долларов США

Узнать больше

Дуг Эйткен

Узнать больше

Рони Хорн

Узнать больше

Энтони Гормли

Цена 59,95 австралийских долларов
Цена 49,95 канадских долларов
Цена 39,95 €
Цена 29 фунтов стерлингов.95
Цена 49,95 тенге
Цена 49,95 долларов США

Узнать больше

Джиллиан в одежде

Узнать больше

Мэри Келли

Узнать больше

Марк Дион

Узнать больше

Мона Хатум

Узнать больше

Пол Грэм

Узнать больше

Нэнси Сперо

Узнать больше

Phaidon

О нас
События
Карьера
Свяжитесь с нами

Помогите с заказом

Часто задаваемые вопросы
Доставка
Возвращает
Платеж
Подарочные карты
Политика конфиденциальности
Положения и условия

Партнерские услуги

Связаться с отделом продаж
Связаться с пресс-службой
Международные издания
Политика разрешений
Предложить книгу

Подпишитесь на предложения и новости

Подписывайтесь на нас